CINEBULIÇÃO

Série: Sherlock - 2ª Temporada (2012)

2012-02-09T00:44:00.002-02:00

por Luiz Santiago

Os produtos que saem dos Estúdios da BBC possuem a aura e o toque de Midas que a produtora cultiva a tantos anos. Um modelo único e ousado de levar à televisão entretenimento de qualidade é a cartilha da emissora, e não raro essa regra tem como produto final programas que transpiram perfeição. O caso da série Sherlock é mais um desses exemplos.

Exibida em meados de 2010, a Primeira Temporada da série fixou um novo tempo para as aventuras do detetive, conquistou o público, e terminou com um terceiro episódio de tirar o fôlego, especialmente na sequência final, com a introdução de Jim Moriaty na série. A Segunda Temporada (2012), é tudo aquilo que um fã dos livros de Arthur Conan Doyle e da série gostaria de ver, só que melhor. Não é exagero algum dizer que se trata de uma temporada perfeita em todos os sentidos. Presenciamos a evolução das personagens, o aumento da complexidade das histórias e a adição de vilões e casos mais perigosos e mortais. Além disso, vemos que a série ganhou definitivamente um tratamento cinematográfico, executado de maneira muito competente nos três episódios.

Se na temporada anterior os espectadores ficaram impressionados com a sagacidade dos roteiristas em trazer casos clássicos da literatura para a tela, nesse temporada, temos o mais famoso caso de Sherlock Holmes, O Cão dos Baskerville (Segundo Episódio), uma autêntica história de terror inserida num ambiente de suspense e crimes misteriosos.

Também o romance ganhou voz na série, já no primeiro episódio, Um Escândalo em Belgravia, um episódio cujo conteúdo complexo e emaranhado deu origem ao melhor filme da série até então. As [leves] cenas de nudez ali contidas incomodaram muitos espectadores conservadores no Reino Unido, e a BBC justificou as cenas acrescentando que “foram uma forma de desmentir os boatos sobre o relacionamento homossexual entre Sherlock e Watson.”. Conhecendo bem o criador da série e roteirista do episódio, Steven Moffat, é possível que sua preocupação em manter a fidelidade do original o tenha impelido para uma ressalva na masculinidade de Sherlock, mas decerto esse não foi o leitmotiv do filme, qualquer espectador atento pode afirmar isso.

O finale da temporada é a mais perfeita surpresa, uma combinação de inteligência e expectativa, uma aglutinação dos todos os temas trabalhados chegando ao seu último estágio. Sherlock Holmes traz à tona todos os sentimentos possíveis, em todas as personagens, e o próprio Holmes demonstra, por trás de seu palácio de racionalização, um coração e uma personalidade que se importa com os outros, mas que pode ferir, se o objetivo final é proteger as pessoas que ama.

Os ganhos técnicos e estéticos dessa temporada não só superam a já alta qualidade da primeira, como também recriam ambientes e situações dramáticas insólitas da maneira mais instigante possível. Sherlock enrolado em um lençol, como uma túnica de um Senador romano; uma celebração de Natal com Sherlock, Watson, Molly, Lestrade e a Sra. Hudson; as alucinantes sequências na floresta e no laboratório, tudo ganha uma caracterização especial de Fabian Wagner, o diretor de fotografia dos três episódios. Na abertura da série, os tons quentes e claros dão uma ar mais familiar, convidativo e humano à história, e também a Sherlock, que se “humaniza”. No segundo filme, o trabalho com a luz não brinca apenas com sombras e ambientes escuros, mas pinta ambientes de verde, vermelho e amarelo, todos com uma força assustadora sobre o espectador. Por último, num ambiente mais diplomático, vemos uma fotografia mais plástica, clara, que ao invés de caracterizar o ambiente inteiro, faz notar os objetos em cena – um verdadeiro truque de mestre.

A direção de arte e o design de produção dão asas à imaginação e reinventam o próprio mundo de Doyle. Tanto Paul McGuigan quanto Toby Haynes, os diretores da temporada, souberam aproveitar milimetricamente os espaços cênicos, seja através de panorâmicas ou da grande variação de ângulos para uma mesma cena. É encantador para quem assiste, ver uma série mais ou menos centrada em um espaço geográfico ter um apelo de entretenimento tão grande. O 221B da Baker Street nunca parece ser “demais” ou “repetitivo”, graças a essa escolha de rotação da câmera, seja em diversos ângulos fixos, seja através de uma steadicam que anda pelo apartamento.

A montagem da temporada foi assinada por dois editores diferentes, Charlie Phillips e Tim Porter, profissionais que reafirmaram a estrutura cinematográfica da série. O primeiro destaque vai para a criativa flutuação de textos e palavras na tela, um atalho muitíssimo eficaz para evitar que o roteiro ou a imagem tivessem que representar mensagens de celular, observações dedutivas e processos mentais. A edição conserva o cuidado com o equilíbrio, jamais deixando que uma enorme quantidade de textos cansem o espectador, e a mesma preocupação se aplica à aceleração ou desaceleração da câmera, especialmente nas lutas ou nas observações de Sherlock. Mas a virtude maior da edição está na sequência lógica das cenas a partir de elementos do próprio cenário, tornando a continuidade fluída e suave; ou mesmo o uso de “colagens” (o que chamamos de falso-raccord), elementos não necessariamente pertencentes àquele cenário, que por uma aproximação da câmera ou uma colocação de sentido dramático, liga um ambiente a outro (no sonho, a cama de Sherlock Holmes que liga o campo, onde o esportista é morto pelo próprio boomerangue, ao quarto do detetive). Mesmo nesses falsos raccords, a estranheza provocada no espectador não é nada negativa, ao contrário, comunica a engenhosidade dos editores e impressiona visualmente.

Sobre o elenco da série, pouco se tem a acrescentar ao que já foi dito. A dupla Benedict Cumberbatch (Sherlock) e Martin Freeman (Watson) está impecável, realmente duas almas gêmeas, uma espécie de contrário um do outro, dois amigos que se gostam muito, uma amizade que mostra o quão intensa é, nos episódios Dois e Três. Ambos cresceram dramaticamente, e mesmo as atuações se tornaram detalhadamente impecáveis – não apenas em técnica, mas em espontaneidade e emoção. Watson ganhou mais importância, se tornou um eixo inseparável das investigações de Sherlock, não apenas o amigo falador e impressionável. Sherlock se tornou mais “humano”, mostrou os atos de afeto que pode ter para com as pessoas que gosta. Até o humor se tornou algo de ambas as partes.

Una Stubbs (Sra. Hudson), Rupert Graves (Lestrade) e Loo Brealey (Molly), também se destacaram melhor que na temporada anterior, cresceram em relação à sua importância para a dupla protagonista e ganharam um pouco de independência em suas ações. Mark Gatiss (Mycroft), é outro ator que teve sua personagem “upada”, seja na aquisição de sentimentos, seja na sua participação mais ativa na vida de Sherlock e Watson. Andrew Scott (Moriaty) perdeu um pouco a afetação do finale da primeira temporada e ganhou papel de merecido destaque, com impecáveis alterações de humor. O ator conduz a personagem divinamente, é um antagonista encantador e ao mesmo tempo repudiável, sentimentos criados pela ampla interpretação. Dos atores que interpretam personagens especiais, destacamos as maravilhosas caracterizações de Lara Pulver (Irene Adler – Episódio 1) e Russell Tovey (Henry Knight – Episódio 2).

Não é sem motivo que a BBC exibe com orgulho as suas produções. Sherlock é quase uma afronta às outras séries, de tão bem realizada. A segunda temporada conseguiu o seu lugar cativo no coração dos espectadores, e ciente disso, os produtores não deixaram de inserir elementos da cultura popular, nerd, geek e afins, como pro exemplo, Batman e Robin, comparação feita para a dupla Sherlock e Watson em um jornal; os Smurfs, quando Watson pergunta a Mycroft porque ele e Sherlock não tinham um bom relacionamento: “Ele roubou todos os seus Smurfs, quebrou seus bonecos?”; Spok, apelido dado por Watson a Sherlock; 007, o número de um voo no episódio Um; e as muitas homenagens ao cinema de terror e às outras versões de O Cão dos Baskerville, no segundo episódio. É como se Steven Moffat e os outros produtores e roteiristas estivessem buscando algo que transcendesse o universo detetivesco de Sherlock Holmes, e não só conseguiram o que desejavam como plantaram no público a doentia semente da ansiedade pela terceira temporada.

Série: Sherlock

Status: Renovada para a terceira temporada (2013).

Diretores: Paul McGuigan (episódios 1 e 2) e Toby Haynes (episódio 3).

Duração: 1h28min.

Episódios

1 – A Scandal in Belgravia

2 – The Hounds of Baskerville

3 – The Reichenbach Fall

AVALIAÇÃO DA TEMPORADA: ÓTIMO.

Oscar 2012: Questionário de Apostas

2012-02-07T00:00:00.000-02:00

por Luiz Santiago

A mais conhecida e glamourosa premiação do cinema acontecerá no próximo dia 26 de Fevereiro, e o Cinebulição quer saber a sua opinião a respeito. Abaixo, temos um questionário com a maioria das categorias do Oscar e seus indicados. O leitor poderá votar naqueles que aposta que levarão a estatueta para casa. Apenas duas categorias e uma pesquisa de opinião são obrigatórias: Melhor Filme / Melhor Diretor e a escala de 0 a 10 sobre as indicações do Oscar esse ano, ao final do questionário. Todas as outras categorias (e são muitas!) são facultativas. Publicaremos o resultado dessa pesquisa no dia 25/02/2012, um dia antes da premiação oficial. Boa votação.

Honrarás Pai e Mãe (1988)

2012-02-05T00:26:00.000-02:00

por Luiz Santiago

DECÁLOGO 4

Baseado no quinto mandamento, “Honra teu pai e tua mãe, para que teus dias se prolonguem sobre a terra.”, o Decálogo 4 é um episódio atípico em relação aos anteriores. Primeiro porque a punição divina à desobediência não se dá no tempo fílmico; segundo, porque o ato rebelde é quase ínfimo se comparado ao dos decálogos Um, Dois e Três.

A ação que descumpre o mandamento no Decálogo 4 acontece de dois modos. O primeiro deles é o desprezo da filha para com um pedido póstumo da mãe. O segundo, é a manutenção do desejo incestuoso da filha pelo pai. Como ambos duvidam da paternidade, o desejo contido não parece tão grave mediante a situação, mas a descoberta de uma carta deixada pela falecida mãe pode fazer ruir essa mentira inventada, de modo que ambos preferem queimar o envelope a descobrir a verdade. A opção pela ignorância, aparentemente, libertaria Anna e Michael de seus desejos incestuosos, mas longe disso (e essa é a punição) nasce uma espécie de maldição moral que irá persegui-los ad eternum.

O filme começa na manhã de uma segunda-feira de Páscoa. Num primeiro momento, a relação entre Anna e Michael dá a entender que eles são marido e mulher, tal a força dos olhares e atitudes de um para com o outro. A água, elemento purificador, símbolo da vida (reafirmado pela Páscoa, a ressurreição de Cristo), é derramada como uma espécie de unção sobre a cabeça de Michael, que ainda dorme. Essa atitude guarda um quê de profanação, e podemos aplicar a desonra não só ao pai e a mãe terrenos, mas a Deus, o pai celestial, representado na figura de Cristo, em seu dia de ressurreição. A revelação do Complexo de Édipo vem colorir a manhã dos protagonistas com uma espécie de ritual há muito praticado.

A mulher e o pecado: visão retrógrada

Kieslowski apresenta Anna sempre em figurinos claros ou de cor azul, embora a personagem nunca esteja perfeitamente vestida, maquilada e sob uma luz favorável. É notória a ausência de beleza ou vaidade nas mulheres do Decálogo. É como se essa série representasse também a postura de uma sociedade arcaica – como no Velho Testamento –, onde as mulheres, sempre desajeitadas e causadoras de problemas, estavam aquém dos homens. Na Trilogia das Cores (1993 - 1994), o diretor adotaria uma outra postura. A tríade feminina que protagoniza os filmes é tratada com o máximo de cuidado – estético e personalístico – e são catalizadoras de suas ações, independentes da força e presença masculina para escreverem a sua história.

Nesse episódio, assim como no Decálogo 3, a mentira faz parte do cotidiano das personagens. A representação de uma postura social e familiar - hipócrita - é comum nos dois protagonistas desse episódio quatro, e isso percebemos com o passar do tempo: pai e filha sabiam da existência da carta e do seu conteúdo, apenas não tinham certeza absoluta porque não haviam-na lido; mas representam o tempo inteiro como se não soubesse de nada. Anna, como estudante de Artes Cênicas, é a verdadeira farsa da situação, assumindo o papel de mulher proibida, moralmente rejeitada pelo pai.

Alguns objetos, aparições e acontecimentos interessantes formam a identidade desse decálogo e depreendem pouco esforço para serem contextualizados: Anna vai ao oftalmologista (primeiro fato curioso, porque o momento em que ela “descobre” a deficiência na visão é quando o avião do pai decola e ela não consegue enxergá-lo direito), e a doutora aponta uma sequência de letras de formam a palavra FATHER. Em uma cena no elevador, temos a interação com um protagonista de outro decálogo - é importante lembrar que os dez episódios se passam com pessoas diferentes de um mesmo conjunto habitacional em Varsóvia -, o médico do Decálogo 2. A personagem angelical – símbolo da onipresença de Deus, que aparece em 9 dos 10 episódios da série – surge no momento em que Anna está para abrir o envelope deixado pela mãe. Ele atravessa um rio em um pequeno barco, e ao chegar à margem, pega-o, para em frente a Anna, olha para ela fixamente e segue seu caminho. A oportunidade de se livrar de uma mentira é concedida à personagem nesse exato momento.

O fim da moral coletiva?

Se uma pessoa perde as referências e os valores familiares, abre-se o caminho para muitas atitudes criminosas, já que não existe mais essa garantia de ordem social e limitações chamada família. De uma maneira muito irônica, esse passo para o crime não é aberto no Decálogo 4, (diferente do filme e da série Twin Peaks, caso muito bem apontado por Slavoj Zizek em um artigo sobre o Decálogo). O futuro das personagens e a legitimidade do pecado estão no julgamento do espectador. A música expressiva de Zbigniev Preisner que acompanha a cena final não nos deixa pistas sobre o que virá – embora o pecado do próximo Decálogo seja uma herança dessa família desvirtuada: Não Matarás. Apenas um dilema moral paira na tela, com a câmera envergonhada que se afasta dos protagonistas para ver “envelhecer” uma velha fotografia de família, como se quisesse aludir ao declínio e morte dessa instituição consumida pelo mundo secular dos modismos, dos extremos e excessos.

DECÁLOGO 4 (Dekalog cztery, Polônia, 1988).

Direção: Krzysztof Kieslowski

Roteiro: Krzysztof Piesiewicz e Krzysztof Kieslowski

Elenco: Adrianna Biedrzynska, Janusz Gajos, Artur Barcis, Adam Hanuszkiewicz, Jan Terasz.

Duração: 55min.

EPISÓDIO MUITO BOM. FORTEMENTE RECOMENDADO.

Machado de Assis no Cinema

2012-02-03T22:14:00.000-02:00

por Luiz Santiago

As adaptações literárias sempre causam discordância e até furor nos espectadores. A mudança da mídia impressa para o audiovisual incomoda os leitores mais exigentes, que cobram do cinema uma representação tal e qual havia imaginado na leitura do livro. Se contarmos as livre adaptações, que já em sua concepção, pretendem ser diferentes, a briga entre o cinéfilo e o leitor (que podem ser a mesma pessoa) ganha proporções monstruosas. Nosso objetivo nessa postagem, é trazer à memória algumas adaptações de obras literárias de um dos nossos maiores escritores, o carioca Machado de Assis (1839 - 1908).

Filme: Esse Rio que eu Amo (filme em episódios).

Ano: 1962

Direção: Carlos Hugo Christensen

Obra: Noite de Almirante (1884).

Trecho da obra: "Pode ser que qualquer outra mulher tivesse igual palavra; poucas lhe dariam uma expressão tão cândida, não de propósito, mas involuntariamente. Vede que estamos aqui muito próximos da natureza. Que mal lhe fez ele? Que mal lhe fez esta pedra que caiu de cima? Qualquer mestre de física lhe explicaria a queda das pedras. Deolindo declarou, com um gesto de desespero, que queria matá-lo. Genoveva olhou para ele com desprezo, sorriu de leve e deu um muxoxo; e, como ele lhe falasse de ingratidão e perjúrio, não pôde disfarçar o pasmo. Que perjúrio? que ingratidão? Já lhe tinha dito e repetia que quando jurou era verdade. Nossa Senhora, que ali estava, em cima da cômoda, sabia se era verdade ou não. Era assim que lhe pagava o que padeceu? E ele que tanto enchia a boca de fidelidade, tinha-se lembrado dela por onde andou?".

Filme: Capitu.

Ano: 1968

Direção: Paulo Cesar Saraceni

Obra: Dom Casmurro (1899).

Trecho da obra: "Aos cinco e seis anos, Ezequiel não parecia desmentir os meus sonhos da Praia da Glória; ao contrário, adivinhavam-se nele todas as vocações possíveis, desde vadio até apóstolo. Vadio é aqui posto no bom sentido, no sentido de homem que pensa e cala; metia-se às vezes consigo, e nisto fazia lembrar a mãe, desde pequena. Assim também, agitava-se todo e instava por ir persuadir às vizinhas que os doces que eu lhe trazia eram doces deveras; não o fazia antes de farto deles, mas também os apóstolos não levam a boa doutrina senão depois de a terem toda no coração. Escobar, bom negociante, opinava que a causa principal desta outra inclinação, talvez fosse convidar implicitamente as vizinhas a igual apostolado, quando os pais lhe trouxessem doces; e ria-se da própria graça, e anunciava-me que o faria seu sócio.".

Filme: Viagem ao Fim do Mundo.

Ano: 1968

Direção: Fernando Campos

Obra: Memórias Póstumas de Brás Cubas (1881).

Trecho da obra: "Morri de uma pneumonia; mas se lhe disser que foi menos a pneumonia, do que uma ideia grandiosa e útil, a causa da minha morte, é possível que o leitor me não creia, e todavia é verdade. Vou expor-lhe sumariamente o caso. Julgue-o por si mesmo."

Filme: Azyllo Muito Louco.

Ano: 1970

Direção: Nelson Pereira dos Santos

Obra: O Alienista (1882).

Trecho da obra: "E tinham razão. De todas as vilas e arraiais vizinhos afluíam loucos à Casa Verde. Eram furiosos, eram mansos, eram monomaníacos, era toda a família dos deserdados do espírito. Ao cabo de quatro meses, a Casa Verde era uma povoação. Não bastaram os primeiros cubículos; mandou-se anexar uma galeria de mais trinta e sete. O Padre Lopes confessou que não imaginara a existência de tantos doidos no mundo, e menos ainda o inexplicável de alguns casos."

Filme: Um Homem Célebre.

Ano: 1974

Direção: Miguel Faria Jr.

Obra: Um Homem Célebre (1896).

Trecho da obra: "Veio o café; Pestana engoliu a primeira xícara, e sentou-se ao piano. Olhou para o retrato de Beethoven, e começou a executar a sonata, sem saber de si, desvairado ou absorto, mas com grande perfeição. Repetiu a peça, depois parou alguns instantes, levantou-se e foi a uma das janelas. Tornou ao piano; era a vez de Mozart, pegou de um trecho, e executou-o do mesmo modo, com a alma alhures. Haydn levou-o à meia-noite e à segunda xícara de café."

Filme: Confissões de Uma Viúva Moça.

Ano: 1976

Direção: Adnor Pitanga

Obra: Confissões de Uma Viúva Moça (1870).

Trecho da obra: "Minha casa era um ponto de reunião de alguns rapazes conversados e algumas moças elegantes. Eu, rainha eleita pelo voto universal... de minha casa, presidia aos serões familiares. Fora de casa, tínhamos os teatros animados, as partidas das amigas, mil outras distrações que davam à minha vida certas alegrias exteriores em falta das íntimas, que são as únicas verdadeiras e fecundas. Se eu não era feliz, vivia alegre. E aqui vai o começo do meu romance."

Filme: A Causa Secreta.

Ano: 1994

Direção: Sérgio Bianchi

Obra: A Causa Secreta (1896).

Trecho da obra: "Garcia, em pé, mirava e estalava as unhas; Fortunato, na cadeira de balanço, olhava para o teto; Maria Luísa, perto da janela, concluía um trabalho de agulha. Havia já cinco minutos que nenhum deles dizia nada. Tinham falado do dia, que estivera excelente, — de Catumbi, onde morava o casal Fortunato, e de uma casa de saúde, que adiante se explicará. Como os três personagens aqui presentes estão agora mortos e enterrados, tempo é de contar a história sem rebuço."

Filme: O Enfermeiro.

Ano: 1999

Direção: Mauro Farias

Obra: O Enfermeiro (1896).

Trecho da obra: "Quando percebi que o doente expirava, recuei aterrado, e dei um grito; mas ninguém me ouviu. Voltei à cama, agitei-o para chamá-lo à vida, era tarde; arrebentara o aneurisma, e o coronel morreu. Passei à sala contígua, e durante duas horas não ousei voltar ao quarto. Não posso mesmo dizer tudo o que passei, durante esse tempo. Era um atordoamento, um delírio vago e estúpido. Parecia-me que as paredes tinham vultos; escutava umas vozes surdas. Os gritos da vítima, antes da luta e durante a luta, continuavam a repercutir dentro de mim, e o ar, para onde quer que me voltasse, aparecia recortado de convulsões. Não creia que esteja fazendo imagens nem estilo; digo-lhe que eu ouvia distintamente umas vozes que me bradavam: assassino! assassino!"

Filme: Memórias Póstumas de Brás Cubas.

Ano: 2001

Direção: André Klotzel

Obra: Memórias Póstumas de Brás Cubas (1881).

Trecho da obra: "Começo a arrepender-me deste livro. Não que ele me canse; eu não tenho que fazer; e, realmente, expedir alguns magros capítulos para esse mundo sempre é tarefa que distrai um pouco da eternidade. Mas o livro é enfadonho, cheira a sepulcro, traz certa contração cadavérica; vício grave, e aliás ínfimo, porque o maior defeito deste livro és tu, leitor. Tu tens pressa de envelhecer, e o livro anda devagar; tu amas a narração direta e nutrida, o estilo regular e fluente, e este livro e o meu estilo são como os ébrios, guinam à

direita e à esquerda, andam e param, resmungam, urram, gargalham, ameaçam o céu, escorregam e caem..."

Filme: Dom.

Ano: 2003

Direção: Moacyr Góes

Obra: Dom Casmurro (1899).

Trecho da obra: "— Quando era mais jovem; era criança, era natural, ele podia passar por criado. Mas você está ficando moço e ele vai tomando confiança. D. Glória, afinal, não pode gostar disso. A gente Pádua não é de todo má. Capitu, apesar daqueles olhos que o Diabo lhe deu... Você já reparou nos olhos dela? São assim de cigana oblíqua e dissimulada. Pois, apesar deles, poderia passar, se não fosse a vaidade e a adulação. Oh! a adulação! D. Fortunata merece estima, e ele não nego que seja honesto, tem um bom emprego, possui a casa em que mora, mas honestidade e estima não bastam, e as outras qualidades perdem muito de valor com as más companhias em que ele anda. Pádua tem uma tendência para gente reles. Em lhe cheirando a homem chulo é com ele. Não digo isto por ódio, nem porque ele fale mal de mim e se ria, como se riu, há dias, dos meus sapatos acalcanhados..."

Filme: A Cartomante.

Ano: 2004

Direção: Wagner de Assis e Pablo Uranga

Obra: A Cartomante (1896).

Trecho da obra: "A cartomante fê-lo sentar diante da mesa, e sentou-se do lado oposto, com as costas para a janela, de maneira que a pouca luz de fora batia em cheio no rosto de Camilo. Abriu uma gaveta e tirou um baralho de cartas compridas e enxovalhadas. Enquanto as baralhava, rapidamente, olhava para ele, não de rosto, mas por baixo dos olhos. Era uma mulher de quarenta anos, italiana, morena e magra, com grandes olhos sonsos e agudos. Voltou três cartas sobre a mesa, e disse-lhe:

— Vejamos primeiro o que é que o traz aqui. O senhor tem um grande susto..."

Filme: Quanto Vale ou é por Quilo?

Ano: 2005

Direção: Sérgio Bianchi

Obra: Pai Contra Mãe (1906).

Trecho da obra: "Ora, pegar escravos fugidios era um ofício do tempo. Não seria nobre, mas por ser instrumento da força com que se mantêm a lei e a propriedade, trazia esta outra nobreza implícita das ações reivindicadoras. Ninguém se metia em tal ofício por desfastio ou estudo; a pobreza, a necessidade de uma achega, a inaptidão para outros trabalhos, o acaso, e alguma vez o gosto de servir também, ainda que por outra via, davam o impulso ao homem que se sentia bastante rijo para pôr ordem à desordem."

Filme: A Erva do Rato

Ano: 2008

Direção: Júlio Bressane e Rosa Dias

Obras: A Causa Secreta (1896) e Um Esqueleto (1875).

Trecho da obra Um Esqueleto: "Ao terminar estas palavras, o doutor beijou respeitosamente a mão do esqueleto. Estremeci e olhei para D. Marcelina. Esta fechara os olhos. Eu estava ansioso por terminar aquela cena que realmente me repugnava presenciar. O doutor não parecia reparar em nada. Continuou a falar no mesmo assunto, e por mais esforços que eu fizesse para o desviar dele era impossível. Estávamos à sobremesa quando o doutor, interrompendo um silêncio que durava já havia dez minutos perguntou:

— E segundo me parece, ainda lhe não contei a história deste esqueleto, quero dizer a história de minha mulher?"

Filme: O Demoninho dos Olhos Pretos

Ano: 2008

Direção: Haroldo Marinho Barbosa

Obra: Contos Fluminenses (1870).

Trecho da obra: "Luís Soares teve um instante de desengano. Indiferente à moça, já começava a odiá-la; se casasse com ela era provável que a tratasse como inimigo mortal. A situação tornava-se ridícula para ele; ou antes, já o era há muito, mas Soares só então o compreendeu. Para escapar ao ridículo, resolveu dar um golpe final, mas grande. Aproveitou a primeira ocasião que pôde, e fez uma declaração positiva à moça, cheia de súplicas, de suspiros, talvez de lágrimas. Confessou os seus erros; reconheceu que não a havia compreendido; mas arrependera-se e confessava tudo. A influência dela acabara por abatê-lo."

Filme: Os Óculos de Pedro Antão

Ano: 2008

Direção: Adolfo Rosenthal

Obra: Os Óculos de Pedro Antão (1874).

Trecho da obra: "Três causas diversas podem aconselhar o uso dos óculos. A primeira de todas é a debilidade do órgão visual, causa legítima, menos comum do que parece e mais vulgar do que devia ser. Vê-se hoje um rapaz entrado na puberdade e já adornado com um par de óculos, não por gosto, senão por necessidade. A natureza conspira para estabelecer o reinado dos míopes."

Filme: Uns Braços

Ano: 2009

Direção: Adolfo Rosenthal

Obra: Uns Braços (1896).

Trecho da obra: "Já nessa noite, D. Severina mirava por baixo dos olhos os gestos de Inácio; não chegou a achar nada, porque o tempo do chá era curto e o rapazinho não tirou os olhos da xícara. No dia seguinte pôde observar melhor, e nos outros otimamente. Percebeu que sim, que era amada e temida, amor adolescente e virgem, retido pelos liames sociais e por um sentimento de inferioridade que o impedia de reconhecer-se a si mesmo. D. Severina compreendeu que não havia recear nenhum desacato, e concluiu que o melhor era não dizer nada ao solicitador; poupava-lhe um desgosto, e outro à pobre criança."

PRÉ-PRODUÇÃO

Sem confirmação e data para as filmagens, a pré-produção de A Igreja do Diabo, projeto a ser dirigido por Manuel de Oliveira, ainda é uma hipótese. Com elenco português e brasileiro, o filme deverá trazer uma atraente adaptação do conto de Machado de Assis. Como a obra ainda não existe, ficamos com um trecho do conto.

A Igreja do Diabo (1884): "Conta um velho manuscrito beneditino que o Diabo, em certo dia, teve a ideia de fundar uma igreja. Embora os seus lucros fossem contínuos e grandes, sentia-se humilhado com o papel avulso que exercia desde séculos, sem organização, sem regras, sem cânones, sem ritual, sem nada. Vivia, por assim dizer, dos remanescentes divinos, dos descuidos e obséquios humanos. Nada fixo, nada regular. Por que não teria ele a sua igreja? Uma igreja do Diabo era o meio eficaz de combater as outras religiões, e destruí-las de uma vez."

Arca Russa / Russkiy Kovcheg (2002)

2012-02-02T00:13:00.000-02:00

Arca Russa ou o resgate da história

por Erivoneide Barros

Aleksander Sokúrov, na 35ª mostra internacional de cinema de São Paulo, apresentou seu novo longa metragem, Fausto (2011), vencedor do Leão de Ouro, no Festival de Veneza 2011, na categoria melhor filme estrangeiro. No entanto ainda é seu Arca Russa que faz a crítica repensar o que é cinema e, sobretudo, o que é montagem.

Em um único plano-sequência de 96 minutos, Sokúrov abre uma das arcas da Rússia, o Museu Hermitage, para convidar o mundo a refletir sobre a questão russa. Desde o final do século XVIII, a relação entre Rússia e Europa é gradativamente pensada e explorada pelos escritores russos. Ressalta-se como exemplo desta reflexão as Notas de inverno sobre impressões de verão de Fiódor Dostoiévski. Dostoiévski, ironicamente, explora outro lado da Europa, contrapondo os supostos costumes bárbaros da Rússia à vida não comentada da Europa, como ilustra a análise que o autor faz das ruas repletas de “quartos de pouca permanência” e a circulação de “mulheres públicas” em Londres e Paris.

Embora a relação suscitada pelo título possa imediatamente atrelar-se a arca criada por Noé no primeiro livro do Pentateuco, ousamos a aproximação com outra arca, indicada no livro de Êxodo. A arca da aliança foi construída a partir das orientações divinas, tanto no que se refere ao formato, tamanho, quanto à sua função. Segundo a mitologia cristã, a arca deveria carregar as tábuas da lei, a vara de Aarão e um vaso de maná como uma espécie de museu ambulante a fim de que o povo não se esquecesse da aliança que Deus tinha com eles nem dos sinais e prodígios que o Senhor havia realizado.

Sókurov parece abrir tal arca, agora a da história russa, para refletir seu passado e sua incidência sobre o presente. A priori, vale lembrar que o Museu Hermitage não é um museu exclusivo de obras russas. Situado em São Petersburgo, o museu foi idealizado por Catarina, a Grande, que deu continuidade aos projetos de Pedro, o Grande, de modernizar a cidade de São Petersburgo e torná-la um grande centro cultural como Paris. Desejosa de tornar-se popular, a imperatriz consome a cultura europeia trazendo para a Rússia a cultura livresca e pictórica, principalmente da França. É ela quem encomenda e inaugura a escultura de Falconet, O Cavaleiro, na comemoração do centésimo aniversário da ascensão de Pedro ao trono. Sob o governo de Catarina, no século XVIII, a Rússia surgiu como uma grande potência.

É esse cenário que Sokúrov manipula com maestria. O narrador, o próprio cineasta, desloca-se no tempo saindo do século XXI (2001) e ambientando-se no século XIX sem saber aparentemente como. O narrador não reconhece o lugar em que está, nem identifica o comportamento das pessoas que surgem em sua frente. A narração predominante da primeira pessoa gera a inserção direta do espectador na cena e na história coletiva da Rússia, assim o espectador é convocado a tornar-se parte e assumir o seu lugar na História. Desse modo, a película é um amálgama de tempos e espaços.

A figura de Pedro, o Grande, é vista com ambivalência. Como idealizador de São Petersburgo, o czar é analisado por duas facetas, aquele que “permitiu os russos se divertirem” sem deixar de ser considerado “como um tirano”. Durante todo o filme, percebe-se de modo sutil esse jogo de dualidade que remete ao modo como a Rússia foi vista e analisada por seus filhos sem desconsiderar o olhar exterior.

Para marcar ainda mais essa visão ambivalente, surge a figura do Marquês de Custine que caminha com o narrador pelas salas do museu. As falas do personagem foram retiradas da obra La Russie en 1839, escrita pelo Marquês após o período em que esteve na Rússia.

Longe do suposto saudosismo apontado por muitos críticos, o diretor busca compreender a Rússia de antes e a de hoje. São iguais? O que permaneceu? Também não se trata de pessimismo – “Eles são surdos: o passado não pode ser alterado” – mas sim de uma tomada de consciência sobre o que se é e a necessidade de prosseguir. Sokúrov parece não buscar a Rússia dos csares, porém almeja trazer à tona a cultura perdida e, em alguns momentos, preterida pelas questões políticas. Declarações como “A Rússia é como um Teatro” induzem a reflexão dos grandes acontecimentos encenados, das grandes tragédias, no sentido shakesperiano.

Conforme pontuou Berman (1986), São Petersburgo nasceu como “Uma janela para a Europa”, imagem retomada pelo diretor no fechamento do filme. Após o grande baile que marca o fim da dinastia Romanov e assinala a revolução, a câmera é conduzida até uma espécie de janela para o mar em que o narrador faz uma declaração que sugerimos dar voz a todos os participantes da história russa: “Estamos destinados a navegar para sempre. A viver para sempre”.

Não pretendemos limitar as várias possibilidades de leitura suscitada pela obra, porém não há como evitar o olhar assertivo e lúcido do diretor sobre as questões políticas russas e o lugar do país entre Ocidente e Oriente. Assim como a arca da aliança que não permitiu ao povo de Israel esquecer sua origem e história ao longo de sua trajetória, a arca russa de Sokúrov é uma elegia a um período decisivo da Rússia que marcou a história mundial.

Bibliografia

BERMAN, Marshall. Petersburgo: o modernismo do subdesenvolvimento. In. Tudo que é sólido desmancha no ar. Trad. Carlos Felipe Moisés e Ana Maria L.Ioriatti. São Paulo: Cia das Letras, 1986. p. 167-270.

VOLKOV, Solomon. São Petersburgo: uma história cultural. Trad. Marcos Aarão Reis. Rio de Janeiro: Record, 1997.

ARCA RUSSA (Russkiy Kovcheg, Rússia, Alemanha, 2002).

Direção: Aleksandr Sokúrov

Roteiro: Aleksandr Sokúrov, Anatoli Nikiforov, Svetlana Proskurina e Boris Khaimsky.

Elenco: Sergei Dontsov, Maria Kuznetsova, Leonid Mozgovoy, Mikhail Piotrovsky, David Giorgobiani, Aleksandr Chaban, Maksim Sergeyev, Natalya Nikulenko.

Duração: 1h39min.

FILME ÓTIMO. É IMPERDÍVEL ASSISTI-LO!

Millennium: Os Homens que não Amavam as Mulheres / The Girl With The Dragon Tatoo (2011)

2012-01-31T01:32:00.001-02:00

por Luiz Santiago

Pela experiência adquirida na direção de videoclipes, David Fincher criou para si uma identidade cinematográfica estilizada, violenta, ágil e desprovida de amor. Mesmo em seu filme mais “simples”, A Rede Social (2010), muitos pontos dessa identidade podem ser observados. A mesma linha de produção se repete no mais novo projeto do diretor, Os Homens Que Não Amavam As Mulheres (2011), adaptação do primeiro livro da Trilogia Millennium. Em sua versão da aclamada obra escrita por Stieg Larsson, o diretor reafirma uma obsessão pela mistura de gêneros – em especial pelo suspense e mistério – sempre com um ponto violento, sexualizado e visualmente espetacular. O filme recebeu diversas indicações e prêmios nessa temporada, e parte para a disputa do Oscar com cinco nomeações: Atriz (Rooney Mara), Fotografia, Edição, Edição de Som e Mixagem de Som.

A abertura do filme é um pesadelo em forma de videoclipe. Ao som da Immigrant Song, do Led Zeppelin, observamos diversos símbolos e situações que desnudam um pouco o passado de Lisbeth Salander, a investigadora punk que entra para o caso Harriet a fim de ajudar a descobrir um assassino de mulheres, ao lado do jornalista Mikael Blomkvist. O enredo é bastante fiel à obra original e consegue apresentar um resultado final melhor do que a versão sueca de 2009, mas Steven Zaillian deixa a desejar na construção geral do roteiro, com momentos vergonhosamente insípidos e sem propósito.

Embora o roteiro tenha tendência a simplificar demais, Fincher conseguiu dar uma cara ousada e vívida à obra, com sequências dramáticas e cruciais muito bem filmadas, e perfeitamente editadas por Kirk Baxter e Angus Wall. Assim como na versão sueca, o filme deixa o lado mais humano explorado como “enxerto de situação geral” no livro. Tal como Arden Oplev em 2009, David Fincher trouxe o conteúdo mais pesado, abordando detalhadamente os assassinatos e o processo de investigação, explorando a guerra interna da família Vanger, as intrigas políticas no meio das corporações e a questão da mulher agredida, representada aqui em sua consequência máxima, fatal e final: o assassinato impune.

Quando Stieg Larsson escreveu a Trilogia Millennium, seu objetivo era relatar em uma trama de suspense e apelo popular, duas situações. A primeira, essencialmente política, se refere ao aumento dos partidos nazistas na Europa contemporânea, e o autor faz isso desde a raiz do problema, com representação nos irmãos de Henrik Vanger. A segunda, é uma situação plural, podendo ser enxergada genericamente como crítica social, seja à questão da mulher, da corrupção, do monopólio econômico das corporações estatais, da justiça institucional, etc. David Fincher faz de seu filme um grande espetáculo hollywoodiano, onde não há lugar para esse lado potencialmente crítico e politizado. Até a postura política de Lisbeth Salander ganha um ar tremendamente passivo – sua personagem ganha aqui uma construção puramente doentia, embora seja contraditoriamente muito doce. A Lisbeth de Noomi Rapace parece ter conseguido mais coisas nesse ponto.

A cargo de Jeff Cronenweth – conhecido de Fincher desde Clube da Luta (1999) – a fotografia entrega uma pura estilização dos espaços, optando por uma palheta de cores predominantes do amarelo ao verde, sendo todas as tonalidades fotografadas em ambientes doentios. Um dos exemplos desse uso está no amarelo da casa de Martin Vanger, o único lugar em Hedestad fotografado nessa tonalidade. Trazendo a expressão intensa, violenta, aguda e estridente da cor, o diretor consegue fazer um falso contraste dramático entre o verde humano (porém, mais para o mofo do que para o broto), do restante dos cenários da ilha, que nas tomadas externas, traz a falsa paz do branco e do azul: a neve, o céu, o mar.

A trilha sonora do filme é assinada por Tret Reznor e Atticus Ross, e estabelece um interessante diálogo com o filme, no campo do horror. Não há prodígio na composição, mas a trilha abraça o filme, ressalta o medo ou a expectativa em determinada cena, ajuda a introduzir ou finalizar alguns momentos importantes.

Já no campo das atuações, as ressalvas são muitas, posto que maioria do elenco não conseguiu firmar com segurança e qualidade as suas personagens – e aqui partimos para um campo subjetivo, de modo que peço compreensão do leitor para lidar com opiniões adversas e entender, a partir desse ponto, a inevitável comparação com o filme anterior. O meu destaque vai para Rooney Mara como Lisbeth Salander, numa atuação bem técnica e, como já dissemos, contraditoriamente doce em alguns momentos, mesmo assim, digna do afã criado em torno da atriz. Daniel Craig é um Mikael Blomkvist insosso, com raros momentos bons na tela. Christopher Plummer interpreta um Henrik Vanger mediano, muito aquém do carismático personagem vivido por Sven-Bertil Taube, na versão sueca. Stellan Skarsgard assume com graça e psicopatia o seu Martin Vanger, e brilha em interpretação muito bem calculada. Mais três atuações são dignas de nota: Joely Richardson, como Anita Vanger; Geraldine James, como Cecilia Vanger e Goran Visnjic, no pequeno papel de Dragan Armansky.

David Fincher nos presenteia com mais uma história inteligente e de tirar o fôlego. O final nos traz a estratégica desaceleração da obra literária – com uma leve mudança do original –, mas é inegável que faltou perspicácia de Zaillian para escrever o desfecho. Uma vez que o filme não abordou a parceria Michael / Lisbeth após o caso Harriet, a cena final parece deslocada e sem propósito para a maioria dos espectadores que não leram o livro. Pecados à parte, as virtudes do filme são muitas, e merecidamente farão dele um dos melhores lançamentos de 2012.

OS HOMENS QUE NÃO AMAVAM AS MULHERES (The Girl With The Dragon Tatoo, EUA, Suécia, UK e Alemanha, 2011).

Direção: David Fincher

Roteiro: Steven Zaillian (baseado na obra homônima de Stieg Larsson).

Elenco: Rooney Mara, Daniel Craig, Christopher Plummer, Stellan Skarsgard, Steven Berkoff, Robin Wright, Yorick van Wageningen, Joely Richardson, Geraldine James.

Duração: 2h40min.

FILME MUITO BOM. FORTEMENTE RECOMENDADO.

Histórias Cruzadas / The Help (2011)

2012-01-29T00:10:00.041-02:00

por Luiz Santiago

Ao que parece, Tate Taylor encontrou um caminho firme para seguir como realizador, depois de ter dirigido a vergonha alheia intitulada Pretty Ugly People (2008), seu primeiro longa-metragem. Histórias Cruzadas é o seu "filme da salvação", uma adaptação da obra de Kathryn Stockett, que mostra algo sobre a opressão e segregação racial no Estado do Mississippi, no início dos anos 1960.

O elenco feminino, especialmente Viola Davis e Octavia Spencer assumem a glória das atuações, e são as responsáveis por trazer vida ao filme, embora, a despeito da postura afetadíssima das atrizes brancas, todo o elenco mereça destaque - em especial Jessica Chastain, que mesmo afetada, me agradou. E não poderia ser diferente, porque o roteiro traz para o seio da família as intrigas e fofocas locais, e nada melhor para legitimar esse estereótipo do que uma equipe de belas e boas atrizes. Tal é a força do matriarcado, que os atores são relegados para um terceiro, quarto, quinto plano de importância, à exceção do pastor da igreja, que é bem construído dentro de sua pequena esfera e foco de atuação.

A estridente e expansiva fotografia em amarelo de Stephen Goldblatt é ao mesmo tempo acolhedora e ameaçadora, porque a cor é um motivo recorrente em diversos ambientes, mas seu significado é diverso, de modo que imageticamente, o filme transpassa essa alegria doente e dourada que encobre todo um aparato social e estatal, ou seja, embora fora do tempo, Histórias Cruzadas é uma espécie de “filme de conscientização”. Mas essa vereda ideológica é potencialmente regressiva, e o espectador deve tomar muito cuidado com duas coisas, primeiro, não se deixar levar pela exposição da bondade e atitude de uma mulher branca a favor das negras fracas e oprimidas; segundo, não dar voz à intolerância e tentar aceitar o filme apesar disso. Para mim, valeu a pena.

É muito raro um filme com verniz pop europeu de mais de duas horas de duração interessar com vigor uma plateia inteira, como é o caso de Histórias Cruzadas. Apesar de trazer em seu roteiro a fixação de um estereótipo sócio-racial que vai acabar passando por “bonitinho” por quase todo mundo, o filme nos reserva momentos de emoção, amizade e rigor técnicos impressionantes. Um reflexo do seu tempo, onde tudo ganha uma versão eufemista (embora alguns casos, como Salt (2010), sejam abomináveis, o que não é o caso aqui), o filme mostra a beleza inexistente em um período crítico da história de seu país, mas, como já foi dito, é preciso que o espectador se livre das amarras (tanto as que lhe tentam impor quanto as que traz consigo) para focalizar algum parágrafo que lhe apeteça no meio dessas histórias cruzadas.

HISTÓRIAS CRUZADAS (The Help, EUA, Índia, Emirados Árabes, 2011).

Direção: Tate Taylor

Roteiro: Tate Taylor (baseado em obra de Kathryn Stockett).

Elenco: Emma Stone, Viola Davis, Bryce Dallas Howard, Octavia Spencer, Jessica Chastain, Ahna O'Reilly, Allison Janney, Anna Camp, Eleanor Henry, Emma Henry.

Duração: 2h26min.

FILME MUITO BOM. FORTEMENTE RECOMENDADO.

Um Retrato de Woody Allen / Wild Man Blues

2012-01-27T11:53:00.003-02:00

por Luiz Santiago

Após a conturbada e polêmica batalha nos tribunais entre Mia Farrow e Woody Allen, o diretor novaiorquino partiu para a Europa com sua banda de jazz, para uma turnê de 23 dias pelo continente, com apresentações em diversas cidades e capitais. No mesmo, ano, seria lançado o seu musical, Todos Dizem Eu Te Amo (1996), talvez um reflexo desse período musical que passou com amigos e a família no Velho Continente.

A turnê de Allen foi acompanhada pela diretora Barbara Kopple, documentarista de ponta, que tinha como tarefa, acompanhar os passos do diretor no decorrer dos dias, nos ensaios, apresentações e locais de hospedagem. Aparentemente, ela iria dirigir um documentário de estrada num contexto jazzístico. Mas Wild Man Blues tornou-se algo além do esperado, um filme sobre a personalidade de Allen, sua convivência com a esposa Soo-Yi e a irmã Letty Aronson, que o acompanhavam na viagem. Desde os primeiros minutos, percebemos o incômodo de Allen ao sair de sua cidade natal, e as discussões de como seriam os shows, que músicas tocar, se deveria falar ou não com a plateia, etc.

Além das próprias apresentações ao vivo, filmadas do palco e com ótima captação de som, precebemos que Woody Allen é também um bom músico - diferente dos vídeos pouco inspirados que encontramos no Youtube. Particularmente não gosto da maioria desses vídeos de suas apresentações em Nova York, mas gosto dele tocando em todas as músicas dessa turnê. A banda também é de enorme talento e o repertório é uma uma maravilhosa viagem à Nova Orleans e seu estilo musical fascinante. No retorno à Nova York, acompanhamos um almoço entre Allen e seus pais, e a difícil relação entre eles, embora todos já fossem de idades respeitáveis (Woody Allen tinha 60 anos; seu pai tinha 96, e sua mãe 90). Com uma montagem maravilhosa e uma precisa direção, Wild Man Blues, além de um bom divertimento, é mais uma boa oportunidade para os fãs de Woody Allen conhecê-lo de perto, e musicalmente falando.

UM RETRATO DE WOODY ALLEN (Wild Man Blues, EUA, 1998).

Direção: Barbara Kopple

Elenco: Woody Allen, Soon-Yi Previn, Letty Aronson, Dan Barret, Simon Wettenhall, John Gill, Greg Cohen, Cynthia Sayer, Eddy Davis, Nettie Köningsber, Martin Köningsberg.

Duração: 1h45min.

FILME MUITO BOM. FORTEMENTE RECOMENDADO.

The Music Never Stopped (2011)

2012-01-25T00:05:00.001-02:00

por Luiz Santiago

Jim Kohlberg é o mais novo integrante do time “Agora Sou Diretor”. Tendo trabalhado na produção executiva de quatro longas fora do grande circuito comercial, Kohlberg se enamorou de uma história real sobre um rapaz que tem um tumor no cérebro e que é incapaz de reter memórias recentes. Após duas décadas longe da família, o jovem aparece em um hospital da cidade e começa a longa caminhada dos pais para se conectarem com o filho, tendo, a partir de dado momento, a ajuda de uma musicoterapeuta. The Music Never Stopped (2011) é uma estreia louvável na direção.

Baseado na obra de Oliver Sacks, o roteiro é um misto de emoção e pouca inspiração da dupla Gwyn Lurie e Gary Marks. Em verdade, o que torna o filme uma pequena pérola emotiva é a gloriosa trilha sonora, que mesmo na música original é perfeita. Em torno de canções e do espírito emblemático das décadas de 1960 / 1970, vemos em flashback a história de Gabriel Sawyer, que só consegue uma conexão plena com o mundo a partir do momento em que ouve músicas importantes para ele em algum momento de sua vida situado nesses vinte anos, embora muitas canções da sua infância nos anos 1950 também o façam reagir de alguma forma. É justamente nesse ponto que se encontra a grandeza do filme, da delicadeza com que o diretor trabalhou esses momentos de puro lirismo e amor.

As lágrimas começam efetivamente a partir de All you need is love, dos Beatles. A partir de então, as reações do paciente para músicas de Bob Dylan, Greateful Dead, Rolling Stones, Buffalo Springfield e Crosby, Stiles & Nash passam a ter uma equivalente no espectador, e tanto a relação “filme & público” quanto a simpatia para com o filme só aumentam. O final desacelerado e pouco inspirador – se comparado a outros momentos do filme – é um dos poucos grandes erros da obra, que se fixa como um produto muito bom, apesar de tudo.

The Music Never Stopped é um drama familiar repleto de referências culturais e históricas no seio de uma família estadunidense. As atuações de J.K Simmons, Cara Seymor e Lou Taylor Pucci, especialmente este último, no papel de Gabriel, são muito boas, e o trio consegue estabelecer muito bem a famosa química em cena. No conflito de gerações e na doença, o trio protagonista é guiado pelo poder inquestionável da música, e se o resultado final não alcança o patamar de um sinfonia, é pela falta de uns poucos compassos e alguns instrumentos a mais.

* Para Gabriel Fanti, que se emocionou tanto quanto eu.

THE MUSIC NEVER STOPPED (EUA, 2011)
Direção: Jim Kohlberg
Roteiro: Gwyn Lurie e Gary Marks (baseado na obra de Oliver Sacks).
Elenco: J.K Simmons, Cara Seymor, Lou Taylor Pucci, Scott Adsit, James Urbaniak, Max Antisell, Ryan Karels, Peggy Gormley, Tammy Blanchard, Josh Segarra, Xander Johnson.
Duração: 1h45min.

FILME MUITO BOM. FORTEMENTE RECOMENDADO.

Verão Violento / Estate Violenta (1959)

2012-01-23T03:35:00.001-02:00

por Luiz Santiago

O amor frustrado e a melancolia estão entre os temas centrais da filmografia de Valerio Zurlini. Diretor de documentários antes de estrear nas ficções em 1954, Zurlini foi eclipsado pelo trabalho de outros grandes realizadores de seu país (Fellini, Antonioni, Visconti, Rossellini), em atividade no mesmo período que ele. Chamado de “poeta da melancolia”, Zurlini renegou sua primeira película, Quando o Amor é Mentira (1954), e cinco anos depois dirigiu o que seria uma remissão para consigo mesmo, Verão Violento, uma história de amor ambientada em 1943, período crítico da Itália em meio à Segunda Guerra Mundial.

De orientação política esquerdista, mesmo sendo de família rica (assim como Visconti), Zurlini conseguiu trazer um pouco do horror da guerra e a dor de um amor impossível para Verão Violento, cujo cenário litorâneo da primeira parte esboça uma realidade quase próspera e muito alienada de um grupo de jovens burgueses empenhados em esquecer que havia uma guerra em marcha. Em um pequeno espaço de tempo, porém, a escassez de alimentos e os ataques aéreos tomam o lugar das festas em meio à guerra "que não estava lá", e é quando essa ideia se constrói que Zurlini deixa a crítica social de lado e parte para dar atenção aos dilemas humanos.

O amor entre Carlo e Roberta é o típico “amor de guerra”, difícil de se concretizar e permanecer por muito tempo. Em interpretação louvável de Jean-Louis Trintignant, Carlo Caremoli é a personificação do jovem antibelicista que por um evento significativo abandona o amor de sua vida para pegar em armas e ir à guerra. Essa modificação política acontece apenas em campo muito pequeno e pessoal. Daí podemos observar que tanto as personagens quanto as histórias de Zurlini são claustrofóbicas, raramente exprimem seus sentimentos, e quando o fazem, é de maneira comedida e amedrontada. O desejo que arde em Carlo e Roberta é quase doloroso para o espectador, porque o casal sofre e raramente se dispõe a viver um único momento de prazer e alegria a sós.

A posição social das personagens e a cartilha de convenções que supostamente precisam seguir são obstáculos morais. A maioria deles sofre por alguma coisa, e em uma análise psicanalítica, encontraríamos motivos de sobre para justificar muitos traços característicos desses indivíduos. Há uma diferença muito grande entre a falsa alegria da primeira parte do filme e a obsessão melancólica da parte final. De alguma forma, essa passagem não é bem arquitetada, falta-nos elementos para juntar as peças, e talvez aí resida a fraqueza do filme. Fraqueza recompensada pela belíssima fotografia, com destaque para a noite na mansão de Carlo, em que ele e seus amigos dançam ao som da música Temptation. Outros destaques fotográficos são as sequências no circo; a angustiante sequência em que Carlo encontra Roberta na noite da manifestação antifascista; e por fim, a sequência do bombardeio aéreo, já no final da película. A música de Mario Nascimebene (que voltaria a trabalhar com Zurlini em A Primeira Noite de Tranquilidade) é de grande beleza, especialmente o tema do filme, uma peça militar caótica e perturbadora.

Verão Violento é um drama intenso sobre um amor impossível, a guerra, e indivíduos afetados pelo destino e por forças sociais imperdoáveis. Sendo um grande amante da arte, Zurlini levaria para o seu cinema uma perfeita imagem estética, algo que se tornaria muito mais evidente em seus filmes seguintes. Embora Verão Violento não seja uma obra prima, é um filme absolutamente bem realizado e intrigante. Se hoje sua trama parece enredo de novelas, o tratamento dado por Zurlini em nada se assemelha ao ridículo da teledramaturgia; vai além, indica uma posição política, uma classe social, um cinema profundo e triste. Se o diretor não é conhecido por ter inovado ou militado na ala das vanguardas do cinema italiano, ele encerra sobre si uma obra de egos feridos, de beleza estética angustiante e de desesperança, ou seja, um reflexo do espírito humano em tempos de mortandade, onde qualquer escolha é uma grande renúncia.

* Para Thaís N., pelo seu aniversário.

VERÃO VIOLENTO (Estate Violenta, Itália, França, 1959).

Direção: Valerio Zurlini

Roteiro: Valerio Zurlini, Suso Cecchi D'Amico e Giorgio Prosperi.

Elenco: Eleonora Rossi Drago, Jean-Louis Trintignant, Lilla Brignone, Raf Mattioli, Cathia Caro, Giampiero Littera, Bruno Carotenuto, Tina Gloriani, Enrico Maria Salerno, Jacqueline Sassard.

Duração: 1h40min.

FILME BOM. RECOMENDAMOS ASSISTIR.

Padre Sérgio / Otets Sergiy (1918)

2012-01-22T01:12:00.002-02:00

por Luiz Santiago

Yakov Protazanov integra a primeira geração dos diretores russos. Inicialmente realizador de filmes para o czar, Protazanov adotaria a causa soviética, e o exemplo máximo dessa mudança de ideologia refletida em sua obra é Aelita, a Rainha de Marte (1924), talvez o filme mais fraco de sua carreira, mas que deve ser valorizado como um documento histórico sobre o período.

Todavia, Protazanov assinou filmes notáveis e importantes para a história do cinema russo, dentre eles, Padre Sérgio (1918), a primeira adaptação da obra homônima de Leon Tolstói. Em pouco mais de uma hora, vemos a fidelíssima adaptação do diretor – exceto uma ou duas passagens ao final do filme – da história do Príncipe Kossotski, que abdicaria de seu brilhante futuro para se tornar padre, o Padre Sérgio do título.

Não podemos nos esquecer que o filme traz o verniz característico de sua época histórica. Lançado um ano depois da Revolução Proletária (outubro de 1917), e no ano em que Lênin retira a Rússia da I Guerra Mundial, Padre Sérgio pode ser lido de diversas formas, seja como um louvor à personalidade política de Lênin e outros camaradas do partido, que sacrificavam-se para o bem do povo – pelo menos em tese – ou como um lamento pessimista à realidade do país, sofrendo em Guerra Civil.

O filme traz muitas características incômodas do cinema mudo, como por exemplo, o encavalamento dos planos ou os olhares enviesados dos atores para a câmera. À parte esses elementos, Padre Sérgio configura-se uma ótima adaptação literária, louvavelmente fiel ao original (não que isso seja uma obrigatoriedade no cinema, ou que seja critério essencial para uma boa adaptação literária, todavia, não podemos deixar de citar quando isso acontece) e com um final surpreendentemente pessimista (tal como no livro), algo não muito comum para um filme da época.

PADRE SÉRGIO (Otets Sergiy, Rússia, 1918).

Direção: Yakov Protazanov

Roteiro: Alexandre Volkoff (baseado na obra de Leon Tolstói).

Duração: 1h15min.

FILME MUITO BOM. FORTEMENTE RECOMENDADO.

Série: Sherlock - 1ª Temporada (2010)

2012-01-20T03:40:00.012-02:00

por Luiz Santiago

Nas Táticas Elementares de A Arte da Guerra, Sun Tzu afirma que “toda luta é baseada em algum truque.”. Na literatura policial, essa afirmação se encaixa como uma luva no cotidiano dos detetives, profissionais que todo o tempo estão em luta declarada contra um grupo ou um único assassino. Sherlock Holmes é com certeza um dos detetives mais conhecidos da literatura policial, que desde a sua criação em 1887, encanta leitores pelo mundo inteiro com o seu método de dedução e sua lógica dedutiva, “truques” pessoais usados na luta contra o crime.

Adaptadas para o cinema e para a televisão inúmeras vezes, as obras do médico e escritor Sir Arthur Conan Doyle apresentam um grande potencial e apelo junto ao público, o que podemos comprovar nas mais recentes versões cinematográficas dirigidas por Guy Ritchie (2009 e 2011). Em 2010, a BBC apostou na popularidade das histórias detetivescas e produziu Sherlock, uma série baseada nas obras de Conan Doyle, mas com uma diferença: ambientada nos dias de hoje. A estrutura da série é de filmes (episódios) com 1h30min. de duração, o que facilita a adaptação da história e evita conclusões apressadas.

Protagonizada pelos excelentes Benedict Cumberbatch (Sherlock Holmes) e Martin Freeman (Dr. John Watson), a série alcançou um nível de excelência invejável, e alta aceitação do público, algo mais impressionante se levarmos em conta que não lidamos com uma história nova, desconhecida e pouco popular; mais ainda, conta-se aqui com o alto risco de uma descaracterização da personagem original, porque a história foi adaptada para o século XXI. Mas os temores se mostram infundados após assistirmos ao primeiro episódio, Um Estudo em Rosa (adaptado de Um Estudo em Vermelho, na obra original). Ver a Baker Street no século XXI e Sherlock Holmes usando GPS, computador e celular é um impulso a mais para gostar de série.

Os figurinos, a fotografia e a montagem são os melhores setores técnicos dessa primeira temporada. Em relação à montagem, algumas inspiradas fusões e transições de cena dão à série sua característica inovadora e dinâmica. As lentes que captam Londres em plano geral são levemente distorcidas nas extremidades, dispondo na memória do espectador o tabuleiro de uma cidade enevoada e misteriosa. Nesse contexto, a maravilhosa interpretação de Sherlock Holmes como um sociopata funcional e o seu exato oposto na pessoa de John Watson, fecham o ciclo de elementos necessários para um bom show.

Algo curioso sobre a personagem de Holmes é a sua total (e aparente) ausência de libido. Em alma, poderíamos compará-lo ao Sheldon Cooper de The Big Bang Theory, cuja racionalidade suplanta as emoções. Outro fato curioso são as leves indicações de que algumas pessoas em torno do famoso detetive suspeitam que ele seja gay. Desde o episódio piloto (que seria refilmado e alongado no episódio um), há aqui e ali uma insinuação sobre a “parceria” entre Sherlock e Watson, embora os produtores da série já tenham afirmado mais de uma vez em entrevistas que "se Sherlock for gay, e quem sabe se ele é, ele não gosta de John". No último episódio, Watson faz piada com essa opinião comum sobre o amigo, opinião essa que Holmes não nega nem afirma – aliás, não é do tipo dele dar atenção às convenções sociais, boatos ou discussão de sexualidade, logo, essa postura é perfeitamente explicável pela composição dramática e psicológica da personagem.

Sherlock é uma série de alta qualidade, bem adaptada e transportada para os nossos dias. Com um ótimo elenco e equipe técnica, não é de se espantar que a reação do público tenha sido muito positiva (a série tem 9,0 no Imdb!), e que o seu renovo tenha sido imediato – embora a segunda temporada tenha vindo ao ar apenas esse ano, dado conflitos de agenda com os atores. A série entra para a lista das melhores produções já realizadas sobre o mais incrível dos detetives da literatura policial.

Série: Sherlock

Status: Renovada para a 3ª temporada (2013).

Diretores: Paul McGuigan (episódios 1 e 3), Euros Lyn (episódio 2).

Duração: 1h28min.

Episódios

1 – A Study in Pink

2 – The Blind Banker

3 – The Great Game

AVALIAÇÃO DA TEMPORADA: ÓTIMO.

50% (2011)

2012-01-18T01:18:00.002-02:00

por Luiz Santiago

Apesar de ter uma emocionante história de superação e o registro de uma verdadeira amizade, é compreensível que “50%” chegue ao Brasil diretamente nas locadoras e não nos cinemas. O roteiro de Will Reisner é original, baseado em uma história verídica, mas essa mesma história já foi trabalhada à exaustão em outras produções, às quais essa nova película de Jonathan Levine se junta e pouco acrescenta de notável.

Joseph Gordon Levitt interpreta com competência o jovem enfermo, e ao lado de Anjelica Huston, forma o único par de boa interpretação no longa. As ações dos coadjuvantes e as pequenas tramas da história giram em torno do rapaz, e aí está o princípio dos incômodos narrativos, porque, ao passo que o câncer avança e Adam muda seu comportamento, essas traminhas insossas se dissolvem no ar com um vergonhoso ponto de interrogação. A única história bem desenvolvida nessa categoria é a do namoro do rapaz.

É inquestionável que o filme marque passo na trilha da emoção. Assim foi em Inquietos (2011) e The Music Never Stopped (2011), dois filmes cujos protagonistas enfrentavam ou tinham estreito contato com a morte. Mas no caso de “50%”, parece que nem o diretor conseguiu levar o filme a sério, há um quê de incompletude no desenvolvimento da história que pode não incomodar muita gente, mas a mim incomodou.

Porém nem tudo é trevas. A despeito da terrível personagem de Seth Rogen (também produtor do longa), cuja única motivação dramática é a reciclagem do lixo sexual que o ator interpreta em alguns filmes, o espectador pode encontrar em “50%” uma boa música, uma boa motivação para encarar uma realidade da vida, mais um louvor ao Carpe Diem, e mostras da síndrome do desapego e individualismo típicos de nosso tempo. Como se vê, há ingredientes de sobra para conquistar corações e usar do afã dessa conquista para encobrir as imperfeições que desfilam na tela. Bem ou mal, o longa consegue fazer jus ao título até em sua qualidade.

50% (50 / 50, EUA, 2011).

Direção: Jonathan Levine

Roteiro: Will Reiser

Elenco: Joseph Gordon-Levitt, Seth Rogen, Anna Kendrick, Bryce Dallas Howard, Anjelica Huston, Serge Houde, Andrew Airlie, Matt Frewer, Philip Baker Hall.

Duração: 1h40min.

FILME REGULAR. ASSISTA SE TIVER TEMPO.

George Harrison: Living in the Material World

2012-01-16T02:32:00.003-02:00

por Luiz Santiago

Martin Scorsese é um dos raros cineastas estadunidenses cuja produção fílmica comporta, em igual medida de poder, ficção e documentário. Mais ainda, Scorsese faz uso de sua liberdade de produção e altos orçamentos para dirigir documentários sobre pessoas e coisas que admira, o que faz dessas obras grandes homenagens, realizadas com um rigor e amor tamanhos, capazes de fazer o espectador compartilhar da mesma paixão pelo objeto documentado.

Em George Harrison, Scorsese apresenta em mais de três horas de filme, a vida do guitarrista dos Beatles, desde a sua entrada para a banda, até sua morte, em 2001. Um valioso arquivo de fotos e filmagens históricas e pessoais, além de uma quantidade gigantesca de entrevistas com George Harrison, amigos e familiares formam o conteúdo físico do filme, que tem as canções compostas por Harrison como narradoras. Durante as fases da vida do músico, percebemos sua mudança artística, física e intelectual, do mesmo modo que entendemos melhor o seu relacionamento com a meditação e com a própria vida. Do Reino Unido às Filipinas, o documentário traz para o espectador a sensação de uma vida em movimento, rodeada de pessoas, eventos e coisas para fazer; ao mesmo tempo que aborda a criação do "espaço de paz" pretendido pelo músico.

O tom meio distante adotado pela direção não é, todavia, uma opção do diretor. A dificuldade de documentar um homem introvertido e de poucas palavras é também um dos elementos a serem observados, bem como, dada essa realidade, o fato de Scorsese conseguir formar uma visão ampla, crítica e empolgante da vida dessa personalidade do rock. O filme traz, além da faceta pública e conhecida de Harrison, o seu compromisso com o prazer e a felicidade dele e das pessoas que estavam à sua volta. Living in the Material World é um documentário que vai além do básico, saindo do didático informativo para se tornar algo próximo a um enlevo espiritual.

GEORGE HARRISON: LIVING IN THE MATERIAL WORLD (EUA, 2011).

Direção: Martin Scorsese

Depoimentos: Paul McCartney, Ringo Starr, Terry Gilliam, Eric Idle, Jane Birkin, Eric Clapton, Tom Pretty, Yoko Ono, Pattie Boyd, Phil Spector, Ravi Shankar, Dhani Harrison

Duração: 3h28min.

FILME ÓTIMO. É IMPERDÍVEL ASSISTI-LO!

CONFIRA O TRAILER!

Globo de Ouro 2012

2012-01-15T18:00:00.006-02:00

por Luiz Santiago

Começa hoje a temporada de premiações na trilha do Oscar 2012! Como se sabe, o Globo de Ouro é o primeiro grande prêmio do ano, e a partir dele, as apostas para o Oscar começam a se ensaiar. A premiação poderá ser conferida aqui no Brasil a partir das 23h na TNT. Abaixo, segue a lista das apostas do Cinebulição para o prêmio.

Melhor Filme Drama

OS DESCENDENTES

Melhor Filme Comédia / Musical

O ARTISTA

Melhor Ator Drama

GEORGE CLOONEY (Os Descendentes)

Melhor Ator Comédia / Musical

JEAN DUJARDIN (O Artista)

Melhor Atriz Drama

VIOLA DAVIS (Histórias Cruzadas)

Melhor Atriz Comédia / Musical

MICHELLE WILLIAMS (Sete Dias com Marilyn)

Melhor Ator Coadjuvante

CHRISTOPHER PLUMMER (Toda Forma de Amor)

Melhor Atriz Coadjuvante

JESSICA CHASTAIN (Histórias Cruzadas)

Melhor Diretor

MICHEL HAZANAVICIUS (O Artista)

Melhor Roteiro

WOODY ALLEN (Meia Noite em Paris)

Melhor Trilha Sonora

LUDOVIC BOURCE (O Artista)

Melhor Filme Estrangeiro

A SEPARAÇÃO (Irã)

Melhor Animação

RANGO

[UPDATE]

Das indicações acima, apenas 4 não se tornaram concretas. São elas (seguidas de seus respectivos vencedores):

Melhor Diretor: Martin Scorsese

Melhor Atriz Drama: Meryl Streep

Melhor Atriz Coadjuvante: Octavia Spencer

Melhor Animação: As Aventuras de Tintim

Martha Marcy May Marlene (2011)

2012-01-14T03:00:00.001-02:00

por Luiz Santiago

_ Você sabe que a morte é a parte mais bonita da vida, certo? A morte é bonita porque todos a tememos. E o medo é o sentimento mais incrível de todos porque cria a consciência completa. Quando você tem medo, ele o obriga a estar plenamente ciente do seu entorno e do momento. Ele o traz ao “agora”. E te deixa verdadeiramente presente. […].

Martha Marcy May Marlene

Martha

O clã dos Olsen mostra ao mundo o seu mais novo rebento, a bela Elizabeth, que estreia com louvor o primeiro longa-metragem de Sean Durkin, Martha Marcy May Marlene (2011), uma película sobre a paranoia, o medo e a submissão de uma jovem, com base em um tipo de esoterismo muito comum nesse momento de gritos e sussurros sobre o atual estado das coisas para a humanidade.

Tanto Elizabeth Olsen quanto Sean Durkin fazem um trabalho exemplar em suas estreias em longas metragens, e o produto resultante dessa parceria não poderia deixar de ter a vitalidade que tem as mais recentes (e boas) estreias no cinema estadunidense, como Direito de Amar (2009) e Apenas uma Noite (2011). A história de Martha, no entanto, é algo bem diferente do que se pode esperar de uma estreia cult com pretensões comerciais. Ao mesmo tempo que ousa estampar um final aberto e uma narrativa em continuidade, o longa se impõe como um desafio para o espectador: o que acontece, exatamente, após a cena final? Parece a velha pergunta das novelas e séries no melhor estilo “quem matou?”, mas nesse caso, a resposta vai muito além do comum.

Marcy May

Nos dois anos que esteve longe da família, Martha conviveu com um grupo de pessoas em uma fazenda, numa espécie de culto semelhante ao da Família Manson, fundada 1969, nos Estados Unidos. A família foi responsável pelo assassinato de diversas pessoas, dentre elas, a atriz Sheron Tate, esposa de Roman Polanski na época. O filme de Sean Durkin aborda a vida relativamente pacífica de Martha nos anos em que passou na fazenda, purificando-se de suas impurezas trazidas de fora. O estilo de vida adotado pelos integrantes dessa “sociedade alternativa” consiste em alimenta-se apenas quando (e do) necessário – “Seu corpo não precisa de tanta comida”, diz Martha para seu cunhado, em certo momento do filme; manter relações com pessoas do grupo, em uma liberdade e “organização sexual” próximas à orgia (nesse ponto, lembra de maneira muito distante o último filme de Kubrick, De Olhos Bem Fechados, 1999) e uma disposição plena para o trabalho. Aparentemente, não é um grupo ameaçador. A reclusão deles é talvez menos inofensiva que a reclusão platônica em A Vila (2004), e mais libertária e deliberada que a reclusão forçada e super-protetora mostrada em Dente Canino (2009). Todavia, um episódio com o grupo fará Martha mudar de ideia em relação a tudo, e o medo começa a aparecer em sua mais pura forma.

A edição de Zachary Stuart-Pontier é funcional, objetiva e bela. A alma do filme se reflete nessa montagem alternada e pontual, que traz em flashbacks os momentos vividos por Martha no culto, enquanto ela sofre, paranoica, na segurança fria da casa de sua irmã. É nesse estado psicologicamente alterado da protagonista que lidamos com a confusão do espaço fílmico em sua continuidade temporal. O passado e o presente se confundem. Martha chega a perguntar para Lucy: “Você já teve aquela sensação onde não saber dizer se uma coisa é uma lembrança ou um sonho?”. Essa pergunta é praticamente a premissa de quase todos os filmes de David Lynch, e não seria loucura estreitarmos uma relação ao menos en passant entre a típica realidade lynchiana e o labirinto temporal percorrido por Martha. É claro que o significado vital do filme é jogado para o espectador no final, mas o que ocorre após a derradeira cena é a coisa menos importante da película.

Marlene

[contém alguns spoilers]

Para os afeitos a análises plenamente simbólicas da Sétima Arte, temo que este seja um filme decepcionante. O único elemento simbólico relevante do filme é o animal que oscila entre as tendências benéficas e maléficas, o que se pode explicar pela sua atitude a um só tempo terna e dissimulada: o gato. Levando em consideração a cena e as condições em que o felino aparece, não fica difícil para o espectador depreender o seu significado para a obra a partir daquele momento.

Se excluirmos o velho dilema do final aberto (que tem por objetivo justamente deixar livre para o espectador a escolha do significado), e transpormos a barreira da organização temporal do filme (que na verdade nem é complexa, só exige um pouco de atenção), temos um único ponto a ser dissecado: os nomes. Disponibilizarei uma pequena colocação de “quem é quem”, e ao lado de cada nome, o seu significado, para que o espectador possa talvez enriquecer a sua compreensão das motivações da protagonista em cada uma de suas encarnações como mulher.

Em primeiro lugar, não podemos esquecer que Martha Marcy May Marlene são as três fases da vida de uma única pessoa. Martha (“senhora da casa”) é a garota que foi para a faculdade e depois desapareceu, voltando para casa da irmã dois anos depois. Marcy (“aquela que invoca a luz do dia”) May (“divindade da mata”) era o nome de Martha no culto. Vale dizer que todos tinham o seu nome mudado quando chegavam à fazenda. Marlene (“cidade de torres”) era o “nome padrão” que todas as mulheres da fazenda deveriam dar a quem perguntasse, no caso de um telefonema. As mulheres deveriam responder Marlene Lewis e os homens Michael Lewis. Essa anotação pode ser lida em um cartaz na parede acima do telefone, numa das cenas finais do filme.

Diferente de outra obra cujo título traz três nomes femininos, Vicky Cristina Barcelona (2008), Martha Marcy May Marlene retrata as várias faces de uma mesma mulher. O interessante é que o filme nos lembra muitíssimo o glorioso Três Mulheres (1977), de Robert Altman, principalmente no relacionamento familiar entre as duas irmãs. Mas em sua atmosfera um pouco macabra e paranoica, o filme se inventa sozinho e nos vende com muita competência a loucura de entender o mundo, a história e o comportamento de alguém que não sabe ao certo quem é e em que tempo vive. O trunfo é justamente a incerteza, depois de todo o suspense arquitetado. Resta ao espectador terminar o filme.

MARTHA MARCY MAY MARLENE (EUA, 2011).

Direção: Sean Durkin

Roteiro: Sean Durkin

Elenco: Elizabeth Olsen, Christopher Abbott, Brady Corbet, Hugh Dancy, Maria Dizzia, Julia Garner, John Hawkes, Louisa Krause, Sarah Paulson, Adam David Thompson, Allen McCollough

Duração: 1h42min.

FILME MUITO BOM. FORTEMENTE RECOMENDADO.

O Estranho Caso de Angélica (2010)

2012-01-12T00:25:00.002-02:00

por Luiz Santiago

Ver um filme de Manoel de Oliveira é como acompanhar um romance realista do século XIX animado 24 quadros por segundo. Aos 103 anos de idade, Oliveira acabou de rodar seu último filme em Paris, Gebo et l'ombre, e, segundo entrevista dada à TV portuguesa, quando terminar os retorques da pós-produção, retomará o aposentado projeto de filmar A Igreja do Diabo, adaptação do conto de Machado de Assis, que segundo o Imdb, contará com Fernanda Montenegro e Lima Duarte no elenco – embora todas as fontes de notícias pesquisadas digam que essa informação ainda não foi confirmada pelos atores.

Em 2010, o diretor português dirigiu dois filmes, o curta-metragem Painéis de São Vicente de Fora – Visão Poética e o longa O Estranho Caso de Angélica, nosso objeto de análise. O roteiro foi escrito pelo diretor em meados dos anos 1950, mas só em 2010, com coprodução brasileira (de Leon Cakoff, via Mostra Internacional de Cinema de São Paulo), o projeto ganhou corpo. A história é simples e não é uma obra-prima do diretor, mas já traz consigo o enigma onírico e mítico dessa atual fase da carreira do diretor. Isaac, um jovem fotógrafo judeu, vai uma noite até à Quinta das Portas fotografar uma jovem defunta, Angélica. A partir de um incidente ocorrido durante a sessão de fotos, Isaac passar a mostrar um comportamento estranho, que chama a atenção da dona da pensão onde vive, e de outros hóspedes, culminando com um final onde tudo se (con)funde: sonho, realidade, cinema, imagem, luz, antimatéria, espírito.

Declaradamente um apaixonado pela imagem cinematográfica, Manoel de Oliveira é autor de um cinema híbrido entre o teatro, a literatura transformada e o anacronismo deliberado em seus roteiros. Suas personagens, diálogos e situações estão localizadas no presente, mas parecem perdidos no tempo, em um estado de existência que pode ser encaixado em qualquer momento da história. Como não pertencem exatamente a esse mundo, é lícito que algumas de suas personagens não consigam diferenciar o que é real e irreal, o que é representação e o que é realidade. Em Singularidades de uma Rapariga Loura (2009), Macário se apaixona por uma imagem na janela, e vai em busca dessa representação mista de paixão e desejo. Em Angélica, mais uma vez, temos essa situação: o protagonista – sempre vivido pelo neto do diretor, Ricardo Trêpa – se apaixona pela imagem da jovem morta, cuja imagem nas fotografias ganha vida, passa a ser mais evidente, mais clara e mais viva do que a própria existência do perturbado Isaac.

Livre de excessos dramáticos – nada é pessimista ou otimista demais e as emoções das personagens não alcançam ápice algum – o cinema de Manoel de Oliveira exige do espectador uma entrega madura, uma renúncia da necessidade humana de saber, para dar lugar à angústia humana da incerteza, da resposta ausente, da falta. Nesse estado pseudo-nirvânico de existência, temos um mundo entre a religião e o fantástico – para o diretor essas coisas são inseparáveis, como podemos ver em Espelho Mágico (2005) –, um mundo da morte sempre presente, das pequenas intrigas familiares e amorosas, da metalinguística e do sonho.

Angélica traz, além dessas características, os truques imagéticos do primeiro cinema, especialmente de Méliès. O Estranho Caso do título é quase irônico, um conto mítico que pode ser lido como questionador da existência de um Deus, da paixão do diretor pelo cinema, da fixação pela morte, e que é posto como estranho porque parece acontecer isoladamente, produto da loucura de um jovem obcecado pelo mundo espiritual. Mas uma observação atenta nos faria perceber que cada personagem do filme possui as suas idiossincrasias, e não são tão normais assim: o mendigo, a dona da pensão, a empregada, a irmã da morta, os hóspedes da pensão, todos vivem os seus mundos estranhos e os seus estranhos casos, a única diferença é que não são consumidos por eles.

Entre uma sonata de Chopin, o canto do lavradores da vinha e cânticos religiosos, O Estranho Caso de Angélica é exemplo de um cinema puro e particular. Talvez traga a oposição entre o velho e o novo mundo (os trabalhadores com as enxadas, as máquinas), talvez seja um desfile de símbolos literários – Antero de Quental, José Régio – talvez seja um desabafo sobre o cansaço de buscar respostas, da falta de um olhar mais profundo do mundo atual para o verdadeiro estado das coisas, mesmo que esse verdadeiro estado seja uma hipótese, a admissão do fantástico, a aceitação de tudo como parte seminal de um grande campo de existências. O filme é como o poema Exausto de Adélia Prado: Quero o que antes da vida / foi o sono profundo das espécies, / a graça de um estado. / Semente. / Muito mais que raízes.

O ESTRANHO CASO DE ANGÉLICA (Portugal, Brasil, Espanha, França, 2010).

Direção: Manoel de Oliveira

Roteiro: Manoel de Oliveira

Elenco: Pilar López de Ayala, Leonor Silveira, Ricardo Trêpa, Filipe Vargas, Luís Miguel Cintra, Ana Maria Magalhães, Isabel Ruth, José Manuel Mendes, Ricardo Aibéo.

Duração: 1h37min.

FILME MUITO BOM. FORTEMENTE RECOMENDADO.

PARA FAZER O DOWNLOAD DO FILME CLIQUE AQUI.

Missão: Impossível - Protocolo Fantasma (2011)

2012-01-10T00:29:00.011-02:00

por Adriano de Oliveira

Brad Bird, diretor das premiadas animações Os Incríveis e Ratatouille, fez uma boa estreia em películas live-action com Missão: Impossível – Protocolo Fantasma, a se julgar a eficiência do entretenimento que conduziu. O filme tem um ritmo frenético, suspense competente (no que é muito ajudado pela trilha de Michael Giacchino) e uma ação física que exigiu bastante dos atores.

Fica a pergunta de qual seria a marca pessoal de Bird nessa fita da série, considerando que os cineastas antecessores cravaram cada um suas características nos trabalhos que dirigiram: no primeiro, De Palma imprimiu seu suspense característico (porém de modo mais comercial, sem o habitual virtuosismo); no segundo, John Woo simplesmente conseguiu fazer um filme de autor – a seu estilo, é bom deixar claro – num exemplar de franquia, o que é algo louvável; e até no terceiro, J.J. Abrams carimbou sua grife, ao iniciar a projeção com uma cena apresentando uma situação-limite e fazendo da maior parte da obra um extenso flashback o qual mostrava como a trama havia chegado àquele ponto. Uma possível resposta é que Bird pode ser apontado como alguém que realizou um trabalho correto, atraente, e que, sobretudo na primeira metade do filme, primou pelo humor, inclusive parodiando elementos característicos dos exemplares anteriores.

O elenco está muito bem, se observados os propósitos do longa. Tom Cruise segura a barra como o grande fio condutor da história que seu Ethan Hunt representa ao público. Simon Pegg rouba a cena várias vezes com seu simpático humor britânico. Paula Patton nunca esteve tão bela e se sai bem nas cenas de luta. Quando um momento classicamente mais dramático aparece, torna-se a vez de Jeremy Renner afirmar o grande ator que é (além de seu personagem constituir o elo entre o título anterior da série e este).

Michael Nyqvist (de Os Homens Que Não Amavam as Mulheres) banca com sobras o vilão, e justamente é por conta de seu papel que o filme assume ares de uma aventura típica de James Bond. Afinal, um cientista que pirou, querendo reformular o planeta às custas de uma guerra nuclear e correndo atrás de códigos de lançamento de foguetes para fazer uma potência mundial agredir outra, parece algo bastante típico dos tradicionais antagonistas das histórias da franquia criada por Ian Fleming e conduzida por seus seguidores.

O grande problema de Missão: Impossível – Protocolo Fantasma, sem contar alguns furos de roteiro e equívocos de continuidade, está em ser anticlimático. Pois, o epílogo passado em Mumbai se torna apagado depois das peripécias do agente Hunt e sua equipe em Dubai: esta, uma longa sequência de ação no meio do filme, que envolve uma escalada de Cruise - sem uso de dublês, segundo o divulgado - na torre mais alta do mundo, um maravilhoso “jogo de espelhos” envolvendo dois falsos encontros ao mesmo tempo num hotel e uma perseguição em meio a uma tempestade de areia.

De toda forma, Protocolo Fantasma se acha acima da fraca média de filmes de ação recentes made in USA, cumprindo sua missão ao ir - embora não muito - para além do protocolar.

* Texto originalmente publicado no Cine Revista.

MISSÃO: IMPOSSÍVEL – PROTOCOLO FANTASMA (Mission: Impossible – Ghost Protocol, EUA, 2011)

Direção: Brad Bird.

Roteiro: Josh Appelbaum e André Nemec

Elenco principal: Tom Cruise, Jeremy Renner, Simon Pegg, Paula Patton, Michael Nyqvist, Léa Seydoux, Josh Holloway, Samuli Edelmann, Tom Wilkinson, Vladimir Mashkov.

Duração: 2h13min.

FILME BOM. RECOMENDAMOS ASSISTIR.

O Falacultura escreve ao Cinebulição

2012-01-09T17:57:00.001-02:00

Luiz,

Escrever sobre cinema é um desafio. O cinema permite às pessoas experimentar novas vidas, experiências e sensações, sem sair de sua poltrona - porém, cada vez menos pessoas parecem se deixar envolver por esse mundo mágico. Enquanto os sites e blogs dedicados à moda, relacionamento e games, por exemplo, aumentam cada vez mais de público, convencer às pessoas a dedicarem seu tempo a um bom filme constitui um desafio e uma conquista.

Da mesma forma, é difícil destacar-se entre os muitos sites dedicados a cinema, produzindo conteúdo diferenciado. Felizmente, essa é a postura assumida pelo Cinebulição: trazer ao leitor um conteúdo rico, que demonstra uma grande paixão pelo universo do cinema. Por isso, vocês merecem toda nossa admiração, por ajudar a espalhar o entusiasmo pela sétima arte.

Estamos escrevendo apenas para reconhecer o seu trabalho, e para desejar um sucesso ainda maior em 2012! Vamos juntos construir uma internet mais cheia de arte, cultura e vida! ;)

Fortes abraços,

da Equipe do

Apenas uma Noite / Last Night (2010)

2012-01-08T00:52:00.003-02:00

por Luiz Santiago

Apenas uma Noite é a estreia da iraniana Massy Tadjedin na direção, e com certeza merece um olhar todo especial. "A" sensação do Sundance Film Festival, o filme retrata o declínio de um casamento, tendo como base a suspeita de uma traição e um amor inesquecível. O casal protagonista formado por Keira Knightley e Sam Worthinton esbanja simpatia, e a história assinada pela própria diretora é muitíssimo bem contada.

Os filmes que trabalham conflitos amorosos do passado geralmente optam por problematizar eticamente a traição, a separação, e geralmente a ideologia da família nuclear se fixa como válida, dando o tom clichê da obra em questão. No caso de Apenas um Noite, para além das preocupações morais e impasses éticos, Joanna e Michael são tratados como seres humanos passíveis de sentimentos duvidosos em relação ao seu estado civil, embora ainda exista amor entre os dois. A chegada do ex-namorado de Joanna e a viagem de Michael com a secretária divide o foco das atenções, e a incrível montagem paralela de Susan E. Morse (editora dos filmes de Woody Allen de 1979 a 1998), não permite que o marasmo ou a perda do ritmo narrativo aconteça um único momento.

A fotografia urbana e escura do ótimo Peter Deming transmite às imagens a frieza que toma conta do relacionamento principal, que já abalado, aparece em conflito com novos objetos de desejo pelo meio do caminho. O mesmo vale para a trilha sonora precisa e pontual, marcada pela sensibilidade das cenas, optando por uma propícia variação musical ao piano. As atuações são um caso à parte. Keira Knightley está mediana, mas vale dizer que nesse filme, faz um trabalho muito interessante. Sua personagem ultrapassa poucos centímetros a linha de mudança de personalidade, e a atriz consegue transmitir essa mudança para o espectador com muita competência e carisma. Sam Worthinton não tem espaço para mostrar muita coisa, de modo que sua atuação aqui pode passar desapercebida. Quem realmente brilha é o francês Guillaume Canet e o novaiorquino Griffin Dunne, duas personagens muitíssimo bem construídas e com atuações deliciosas. Eva Mendes é a bela amante de Michael, mas não se destaca além da média.

Sem pretensões cult e com um final sugestivo, Apenas uma Noite é um desses filmes para uma sessão a dois, ou mesmo para uma sessão solitária, numa tarde chuvosa ou fria. Trata-se de um filme tecnicamente muito bem executado, e que concentra um nível mínimo de erros cênicos e narrativos. Não temos uma inovação nos dramas românticos ou uma proposta diferente no que se refere a um casal preso ao passado - ou a algo do presente que não pertença ao casamento; mas mesmo assim, a película se destaca com facilidade em meio à enxurrada de produções chochas e apagadas que insistem em trabalhar as questões matrimoniais.

* Para L.D. e R. S.

APENAS UMA NOITE (Last Night, EUA, França, 2010).

Direção: Massy Tadjedin
Roteiro: Massy Tadjedin

Elenco: Keira Knightley, Sam Worthinton, Anson Mount, Eva Mendes, Guillaume Canet, Griffin Dunne, Stephanie Romanov, Scott Adsit, Daniel Eric Gold.
Duração: 1h30min.

FILME BOM. RECOMENDAMOS ASSISTIR.

Tudo Pelo Poder / The Ides of March (2011)

2012-01-06T15:06:00.010-02:00

por Luiz Santiago

Quando George Clooney dirigiu o seu primeiro filme, Confissões de uma Mente Perigosa (2002), foi quase unânime a opinião da crítica de que o ator fizera uma ótima estreia na direção, e que também poderia construir uma ótima carreira atrás das câmeras. Em seu filme seguinte, Boa Noite, Boa Sorte (2005), a receptividade foi ainda maior, redendo-lhe seis indicações ao Oscar e inúmeros prêmios em Festivais de Cinema pelo mundo. A partir de então, criou-se uma certa expectativa (frustrada em 2008 com o terceiro filme do diretor, O Amor Não tem Regras), a partir da próxima estreia de um filme assinado por George Clooney. Seu engajamento político e a maneira quase clássica com que dirige seus filmes fazem-no um realizador interessante e bem cotado dentro e fora de seu país.

Tudo pelo poder (2011), é definitivamente a declaração política e crítica que Clooney poderia dar a seus fãs e ao seu próprio cinema. Estética e formalmente distinto dos outros três filmes que ele já dirigiu, Tudo Pelo Poder acompanha a jornada de um candidato democrata à presidência da República, na intricada rede que constitui a sessão das primárias nos Estados Unidos. Vivido pelo próprio Clooney, o candidato Morris é um homem de excelente retórica e uma aparente postura incorruptível. A recusa do candidato em fazer alianças podres com senadores e delegados em busca de influência política contrasta com o que teremos no desenvolvimento do longa e põe na mesa as cartas do jogo político. O temor, a traição e a tentativa de encobrir qualquer ato legalmente errado do passado fazem de Morris um refém de seu diretor de comunicação, o verdadeiro protagonista do filme, interpretado pelo excelente Ryan Gosling.

O Leviatã de George Clooney

Thomas Hobbes escreveu uma das mais incríveis obras sobre o poder, a soberania e a estrutura do contrato social: O Leviatã. O nome refere-se a uma criatura marinha e mitológica, de proporções monstruosas, muito presente no imaginário popular medieval e bíblico (Livro de Jó, capítulos 40 e 41). Com base na mitologia, Hobbes criou uma “teoria política” cuja base é a de que o os homens são egoístas e o mundo não satisfaz todas as suas necessidades, por isso mesmo, no estado natural, todos disputam por riqueza, segurança e glória. Para que essa “guerra de todos contra todos” não exista, é necessário um contrato social. Esse contrato necessita de um grupo de pessoas (ou uma única pessoa) cuja função é observar e punir quem quebrar as regras estabelecidas – e aquilo que chamamos de “Justiça” passa a existir. A esse grupo (ou essa pessoa), Hobbes dá o nome de “Soberano”, cujo principal objetivo é manter a paz e punir os que a perturbam. O soberano é o Leviatã do título. Em Tudo Pelo Poder, é justamente a corrupção dos “fiscais do contrato social” que está prestes a vir à tona, e, partindo de um campo micro, percebemos que o filme aborda uma rede colossal de favores cedidos, corrupção, tráfico de influência, chantagem e falsidade ideológica. Aqueles que supostamente deveriam zelar pelo estado de harmonia social são os que deturpam o significado da justiça, da ética e da moral, e por mais paradoxal de pareça, são as mesmas pessoas que não teimam em punir aqueles que fazem a mesma coisa.

Longe de um filme regrado sobre a política, Tudo Pelo Poder aborda as características mínimas de um jogo de egos e status social. Para que se mantenha as aparências – para si, para o povo e para o partido – tudo é permitido. Da primeira para a parte final do filme, temos uma completa reviravolta na moral das principais personagens. Independente dos fatores que desencadeiam essas mudanças, somos levados a questionar a própria integridade humana. Alguns acreditam que o poder corrompe as pessoas. Mas Clooney nos aponta para o outro lado: a corrupção existe desde o primeiro momento em que alguém se propõe alcançar o poder.

Não há dúvidas de que este é o filme mais maduro de George Clooney. O diretor se permitiu ousadias narrativas e estéticas tão grandes, que além de ser um marco definitivo em sua carreira como diretor, foi um bom fôlego de inovação nas produções estadunidenses do ano passado. A supressão do som direto em favor da incrível e pontualíssima trilha sonora (assinada por Alexandre Desplat), uma mínima mixagem de som, o uso de silêncio absoluto, câmera parada e ângulos vazios não são encontrados em qualquer filme hoje em dia, e denotam segurança plena do diretor em seu trabalho. Se em um momento ou outro o filme pareça “denso” demais, essa sensação não dura muito tempo, e logo é substituída por um epifânico estado de graça.

Com um time de técnicos maravilhosos e um elenco de gigantes, todos em interpretações notáveis, George Clooney usa de sua experiência no cinema e na TV para fazer um filme que atendesse diversos públicos, embora sua vitória seja quase exclusivamente para o grupo verdadeiramente cinéfilo, uma vez que Tudo Pelo Poder está a anos-luz de distância de um "filme pipoca". Uma das melhores estreia de 2011, e certamente, mais um filme que desafia aos altos escalões dos jogos de poder a explicarem sua razão de existir e se manterem em uma ordem corrupta e aparentemente insubstituível. Com quatro indicações ao Globo de Ouro, talvez o filme não seja lembrado no Oscar 2012 (pelo seu conteúdo e por seu modelo estético-narrativo em partes inovador, coisa que incomoda sobremaneira a Academia), mas uma coisa é certa, Tudo Pelo Poder se tornou uma inesperada pedra no sapato da ala cinematográfica puxa-saquista. Querendo ou não, o poder estadunidense está denunciado em sua intricada máquina política, e os discursos proferidos são levemente semelhantes aos que o presidente Barack Obama fizera à época de sua candidatura. Não há constatação melhor do que esta: de quem, e de onde menos se espera, surge uma voz que grita: “há algo de podre no Reino do Tio Sam!”. E no fim de tudo, não há a Estátua da Liberdade e uma conclusão ideológico-burguesa ressaltando a voz que falou em nome da elite, como em Trabalho Interno (2010). Tudo Pelo Poder não é um filme condescendente, é um filme-incômodo.

TUDO PELO PODER (The Ides of March, EUA, 2011).

Direção: George Clooney

Roteiro: George Clooney e Grant Heslov (adaptação da peça Farragut North, de Beau Willimon).

Elenco: Ryan Gosling, George Clooney, Philip Seymor Hoffman, Paul Giamatti, Evan Rachel Wood, Marisa Tomei, Jeffrey Wright, Max Minghella, Jennifer Ehle, Gregory Itzin, Michael Mantell.

Duração: 1h41min.

FILME MUITO BOM. FORTEMENTE RECOMENDADO.

Melhores e piores filmes de 2011 / Números / Agradecimentos / Premiações / Projetos

2011-12-30T06:23:00.001-02:00

Esta é a última postagem do Cinebulição em 2011.

Voltaremos com as publicações a partir do dia 06/01/2012.

Desejamos a todos um ótimo Réveillon e um bom início de ano.

por Luiz Santiago

Todo cinéfilo inicia o ano esperando ter grandes surpresas, assistir aos filmes dos seus diretores preferidos, escrever e conversar bastante sobre cinema. Livros, filmes, palestras, cursos, debates, ciclos, todo um aparato que dá sustentação às artes visuais aparece renovado e merece atenção. No decorrer do ano, surgem as decepções, as correrias para acompanhar os Festivais, a dúvida entre ver um lançamento esperado ou um filme potencialmente bom... a velha e maravilhosa vida de um cinéfilo ativo. O ano de 2011 nos trouxe agradáveis surpresas, mas elas não foram a maioria. Assistimos à banalização e decadência (novamente!) do 3D, o esgotamento do found footage, a briga dos estúdios para conseguir bilheterias, o aumento do número de comédias românticas “anti-românticas”, o aumento do prestígio dos documentários, a permanência das comédias debiloides e desnecessárias.

É chegado o momento do ano em que os cinéfilos olham para todo esse caminho tortuoso de 2011, e não precisam de muita coisa para compor as listas dos melhores e piores filmes do ano. O Cinebulição, que vai fazer 2 anos de existência em 2012, adotou por tradição publicar a lista como a última postagem do ano. Na lista de 2010, tivemos apenas 4 votantes, o que me permitiu publicar separadamente cada lista. Neste ano, temos 16 votantes, o que torna inviável a publicação separada de cada um, por isso fiz um ranking dos votos recebidos, e o resultado vocês podem conferir logo abaixo.

MELHORES FILMES DE 2011

ATENÇÃO: Essa lista é um ranking feito a partir das listas pessoais do seguintes convidados: Adriano de Oliveira, Amanda Camargo, Elton Telles, Gustavo Teng, Juliana Zanolli, Kaio Woogman, Luiz Santiago, Luís Silva, Marcel Moreno, Marcio Sallem, Marcus Hisht, Neide Barros, Pedro Veblen, Silvana Santiago, Tatiana Rimoldi, Vinícius Kertz.

IMPORTANTE: Como os convidados são de diversos Estados do Brasil, e também de Portugal, Estados Unidos e Espanha, alguns filmes que ainda não entraram em cartaz no Brasil ou foram vistos apenas em Festivais, poderão figurar na lista, e podem voltar no próximo ano, por ocasião da estreia da obra no circuito nacional. Os critérios para eleição dos filmes foram: filmes de 2011 lançados em qualquer circuito em 2011, ou filmes de 2010 que só entraram no circuito nacional em 2011.

#10. O CAVALO DE TURIM (2011) -
Béla Tarr e Ágnes Hranitzik
[Crítica]

#9. TUDO PELO PODER (2011) - George Clooney
[Crítica]

#8. X-MEN: PRIMEIRA CLASSE (2011) -
Matthew Vaughn
[Crítica]

#7. CÓPIA FIEL (2010) - Abbas Kiarostami
[Crítica]

#6. O PALHAÇO (2011) - Selton Mello
[Crítica]

#5. CISNE NEGRO (2010) - Darren Aronofsky

#4. A ÁRVORE DA VIDA (2011) - Terrence Malick
[Crítica]

#3. A PELE QUE HABITO (2011) - Pedro Almodóvar
[Crítica]

#2. MEIA NOITE EM PARIS (2011) - Woody Allen
[Crítica]

#1. MELANCOLIA (2011) - Lars von Trier

PIORES FILMES DE 2011

Os critérios e observações para os piores são os mesmo já citados na categoria anterior. A diferença é que nesta parte não me darei o trabalho de selecionar uma fotografia significativa, editá-las e indicar os filmes. Opto por uma lista básica desses pecados cinematográficos.

#1. 11-11-11

#2. Apollo 18

#3. A Saga Crepúsculo: Amanhecer - Parte 1

#4. Sem Saída

#5. Caça às Bruxas

#6. A Garota da Capa Vermelha

#7. Dylan Dog e as Criaturas da Noite

#8. Atividade Paranormal 3

#9. Conan, o Bárbaro

#10. Transformers 3: O Lado Oculto da Lua

AGRADECIMENTOS

Agradeço a todos os que acessam, acompanham e divulgam o blog. Se não fosse por vocês essa seria apenas uma página inóspita com material sobre cinema e sem importância alguma. Obrigado por tornar esse trabalho significativo.

Gostaria de agradecer a todos os que colaboraram comigo neste ano, a começar pelos membros ativos do nosso Júri de Cinéfilos, que de março a dezembro se empenharam na formulação dos nossos Veredictos. Também gostaria de citar aqui os convidados do blog para os Especiais e as Listas durante o ano: Gustavo Teng, Juliana Zanolli, Kaio Woogman, Marcus Hisht e Neide Barros.

Um agradecimento todo especial aos meus amigos blogueiros, que compartilharam sessões, conversas, comentários, debates, troca de informações e planos. Muito a obrigado a vocês: Caio Viana, Emmanuela, Gabriel Neves, Marcel Moreno, Marcio Sallem, Matheus Fragata e Wesley Pereira de Castro. Também agradeço à Priscila Cardoso, pela ótima parceria entre o Cinebulição e o Cine Conhecimento, a nossa página de indicação para downloads.

XII Semana de Letras (UNESP - Araraquara).
Palestra: Cinema Africano - história, linguagens e tendências.

Também gostaria de agradecer ao meu amigo Luís Adriano Lima, pelas conversas cinéfilas, parceria, e pelo convite para que eu fizesse a palestra de abertura da XII Semana de Letras de Araraquara, realizada na Faculdade de Ciências e Letras (UNESP - Araraquara), no dia 17 de outubro. Com a ótima organização do Centro Acadêmico de Cultura e Estudos em Letras "Paulo Leminski", o evento foi um grande sucesso. Minha palestra teve como título: "Cinema africano: história, linguagem e tendências". Agradeço a acolhida de todos os organizadores, e mais uma vez, ao convite do Luís.

4º PRÊMIO "SELO INGMAR BERGMAN"

Como o meu amigo Nelson Rodrigues não conseguiu me enviar os seus votos para a premiação do Selo Ingmar Bergman deste final de ano, vamos premiar apenas 3 blogs nesta edição. Esta premiação tem um valor todo especial para mim, porque os três são blogs de pessoas que, além de serem meus amigos, realizam um maravilhoso trabalho com a crítica cinematográfica na rede, e merecem ser reconhecidos. Eis as páginas que recebem o selo nesta 4ª edição do nosso prêmio:

* Bastidores / * Cinema de Gaveta / * Literatura e Cinema.

Para os editores: leiam a apresentação do Editorial do Selo. Lá vocês encontrarão todos os procedimentos. Parabéns aos três: Matheus, Marcel e Luís. Vocês merecem todo o reconhecimento pelo excelente trabalho.

EM 2012...

Em 2012 uma série de projetos e coisas novas devem aparecer por aqui. As mudanças serão mais relacionadas ao conteúdo do blog do que à estética. Mudamos esse ano para um template mais claro, e penso que por hora ele está a contento. Talvez uma alteração ou outra, mas nada tão radical como fizemos esse ano. Uma das coisas principais do Cinebulição será uma mudança na prioridade de de publicações. Daremos maior atenção aos lançamentos. Mesmo assim, pelo menos uma das críticas da semana será sobre clássicos da sétima arte. Voltaremos também com os Especiais do Mês, e posso adiantar que o diretor de janeiro é um italiano, com início da carreira nos anos 1950. As próximas atualizações vocês podem ver aqui na coluna do direita. Algumas mudanças ainda estão sendo pensadas, de modo que prefiro não adiantar nada aqui. No decorrer dos meses vocês perceberão. Um abraço a todos e uma ótima passagem de ano! Muito obrigado ela visita ao blog, e sejam sempre bem vindos!

O Cavalo de Turim / A Torinói ló (2011)

2011-12-28T01:54:00.005-02:00

por Luiz Santiago

Poderíamos classificar o último filme de Béla Tarr, O Cavalo de Turim, como mais uma das películas deste ano que sinalizam a destruição da humanidade, ou ponto final de um período, ou destruição do que existe para um futuro pouco animador. A onda começou com A Árvore da Vida, a viagem imagética de Terrence Malick sobre o espírito teológico que pontua a criação humana, mas que, apesar da colocação religiosa, ressalta o darwinismo e detrimento do criacionismo – pelo menos em tese. O segundo momento veio com Lars von Trier, mais ousado e catastrófico, com o estupendo Malancolia, que traz a extinção da raça humana e a destruição do planeta. Mais ou menos no mesmo caminho está Mike Cahill, com o seu A Outra Terra, filme que fala da descoberta de um planeta que é um espelho – em composição e habitação –, do nosso planeta.

Pois bem, O Cavalo de Turim indica, dentre outras coisas, o fim da Civilização, como vimos, um assunto recorrente no cinema este ano. Com um prólogo sobre um episódio da vida de Nietzsche, somos arrastados para duas horas e meia de um filme com duas personagens principais, pai e filha, mais um cavalo que definha aos poucos, em uma casa isolada e fustigada por uma tormenta arrasadora. O vasto material para análise está lá, e é composto de elementos bíblicos e seculares: os seis dias, os ciganos, o vizinho que noticia “o fim da 'cidade' onde 'eles' estavam”, o poço que seca, o cavalo que não quer comer, a luz que acaba, a tormenta que finda-se subitamente, o fastio do pai e da filha, o silêncio mortal. Acompanhado pela poderosa música de Mihály Vig, o tempo se arrasta, e vemos toda a liturgia doméstica cotidiana nos indicar inúmeros significados para o que assistimos.

Mas à parte o sentido crítico do filme e a inegável perfeição com que Béla Tarr e a co-diretora Ágnes Hranitzky realizam o filme, a obra é inacessível. É preciso muitíssimo boa vontade para acompanhar a penosa repetição dos dias e das atividades na casa. A simpatia do espectador para com o filme está na sua relação com o estilo minimalista, peculiar do diretor húngaro, ou seja, entre o símbolo, o enigma, a razão e a humanização, é preferível ser o mais passional possível, mergulhar como o ser nietzschiano nesse eterno retorno, para que se possa apreciar a obra com louvor.

Dito isto, resta pouco de genialidade no produto para comentar-se. O que realmente vale é a impecável câmera de Béla Tarr e a edição milimétrica de Ágnes Hranitzky. Se a perfeição existe de modo inquestionável no plano técnico, o mesmo não se pode dizer do filme, obra entregue gratuitamente à psicologia e humanização do espectador, atitude que considero um erro vergonhoso no cinema. Mesmo assim, não podemos dizer que O Cavalo de Turim é um filme para se esquecer ou não ser visto. Longe disso. Mas ele é uma obra que, despida da aura dourada com a qual revestem o diretor, estaciona na média aceitável dos filmes que são apenas bons e nada mais. O que é ótimo é um trecho de A Gaia Ciência, obra nietzschiana que poderia constar como cartilha para se entender o espírito de construção do filme: “Esta vida, assim como tu a vives agora e como a viste, terás de vivê-la ainda uma vez e ainda inúmeras vezes: e não haverá nela nada de novo, cada dor e cada prazer e cada pensamento e cada suspiro e tudo o que há de indivisivelmente pequeno e de grande em tua vida há de se retornar, e tudo na mesma ordem e sequência...” […].

O CAVALO DE TURIM (A Torinói Ió, Hungria, França, Alemanha, Suíça, EUA, 2011).

Direção: Béla Tarr e Ágnes Hranitzky

Roteiro: László Krasznahorkai e Béla Tarr

Elenco: János Derzsi, Erika Bók, Mihály Kormos, Ricsi.

Duração: 2h26min.

PARA FAZER O DOWNLOAD DO FILME CLIQUE AQUI.

FILME BOM. RECOMENDAMOS ASSISTIR.

Especial Friends: Ross, Joey e Chandler

2011-12-27T02:00:00.002-02:00

por Luiz Santiago

Uma das coisas mais legais em Friends é a forte diferença de personalidade entre os seis integrantes do elenco principal. O trio feminino já recebeu uma ótima análise do meu amigo Jorge Rodrigues, e coube a mim falar do trio masculino, composto pelos atores David Schwimmer, Matt LeBlanc e Matthew Perry, uma interessante mistura de universos e histórias de vida, dentro e fora da tela.

Vamos começar pelo mais novo deles, Matthew Langford Perry (1969), ótimo ator de comédias e praticamente uma cria da televisão, estreando na telinha aos 10 anos, como personagem da série 240-Robert. Antes de viver o Chandler de Friends, Matthew Perry atuou em mais de 10 séries e estrelou 4 filmes: Uma Noite Na vida de Jimmy Reardon (1988); Não Mexa Com Minha Filha (1989); um telefilme fraquíssimo com Liza Minnelli no elenco, Vidas Paralelas (1994); e Vestibular da Morte (1994), onde faz um papel secundário e esquecível. Vale lembrar também que o pai de Matthew Perry, John Bennett Perry (1941), também é ator, e participou de um episódio de Friends, Aquele do Novo Vestido da Rachel (4ª Temporada). Ele faz o papel de Mr. Burgin, o pai de Joshua Burgin, paquera de Rachel na época.

Chandler Bing é uma personagem hilária. Por ter acompanhado o divórcio dos pais na infância, ele desenvolveu um estranho modo de defesa: fazer piadas ou usar de extremo sarcasmo sempre que se vê em situações difíceis. Ele estudou com Ross Geller na faculdade, participou de uma banda, viu seu pai se transformar em um travesti e sua mãe se tornar uma famosa escritora de romances eróticos. Na faculdade, Chandler chegou a beijar um homem – acontecimento que Ross usa para zombar dele em um dos episódios da série. Em diversos episódios questiona-se a heterossexualidade de Chandler, o que é deveras engraçado, não só pelo histórico familiar de ter um pai travesti, mas porque ele tem conhecimentos muito interessantes, como saber fazer uma perfeita sobrancelha, por exemplo. Mesmo com uma vida complicada, Chandler tornou-se um adulto muito culto, engraçado e de bom coração. Por mais que tente, nunca consegue guardar rancor de ninguém, e passou muito tempo tendo azar com mulheres até se apaixonar e casar-se com Monica Geller, irmã de Ross. Chandler conheceu Joey em Nova York, e dividiram um apartamento. Começava uma amizade inseparável entre os dois. Em toda a série, Chandler e Joey são os amigos que mais se abraçam. Eles realmente se amam, e apesar da momentânea vergonha de admitir isso, acabam não conseguindo esconder. Uma das coisas interessantes sobre Chandler é que pelo menos até as últimas temporadas ninguém sabia exatamente qual era a sua profissão. Esse é o motivo pelo qual Monica e Rachel perdem o apartamento para ele e Joey, em um jogo de perguntas. Não tenho muita certeza, mas acredito que é na 9ª temporada que ele muda da área de computação para a publicidade. Matthew Perry faz um trabalho maravilhoso como Chandler Bing, seja nos momentos dramáticos, seja na comédia, o ator faz do personagem um dos mais interessantes do trio e o ponto cômico masculino da série.

Matthew Perry (Chandler Bing)

Matthew Steven LeBlanc (1967) tem uma história artística mais ou menos parecida com a de sua personagem em Friends: um ator canastrão e mulherengo que tem dificuldade para arranjar emprego até que uma oportunidade na TV o torna famoso e rico. Filho de mãe italiana e pai anglo-alemão, Matt LeBlac começou a trabalhar como modelo e conseguiu seu primeiro papel na TV em 1989, na série TV 101. Trabalhou em mais de uma dezena de séries e estrelou dois filmes até assumir o papel de Joey em Friends: Inimigos de Guerra (1993) e Lookin' Italian (1994).

Joey Tribbiani é um ator mulherengo e canastrão, ingênuo e de inteligência mínima. Sua amizade com Chandler é praticamente um escudo contra as coisas ruins que poderiam lhe acontecer, inclusive a falência financeira, porque até ele conseguir um papel na novela Days of Our Lives, Chandler mantinha o apartamento e as despesas da casa praticamente sozinho. Mas à parte sua vida profissional e movimentadíssima vida amorosa, Joey é a personagem mais pueril do trio masculino. Ele tem um Hugsy escondido – bem, nem tão escondido assim, uma vez que ele não consegue guardar segredos; gosta de livros com figuras e músicas de criança. Suas outras características são: o amor pelo Knicks, o pavor de envelhecer, o fanatismo por pornografia e todo tipo de sacanagem; e também pizzas, cerveja, e seus amigos. Joey é um grande crianção, mas muitas vezes tem uns rompantes de adulto, e chega a dar conselhos para seus amigos. A provocação é uma das suas características humorísticas mais legais, ao lado da grande capacidade de Matt LeBlanc usar a comédia física, algo que os diretores da série exploram bastante na personagem.

Matt LeBlanc (Joey Tribbiani)

David Larry Schwimmer (1966), o Ross de Friends, é o único do trio masculino da série que tem uma carreira na direção de filmes e séries, além de atuar. Começou a trabalhar como ator em um telefilme, Violação Fatal (1989); e dirigiu o seu primeiro, Desde Que Nós Partimos, em 1998. Desde então, Schwimmer já dirigiu os longas Americana (2004), New Car Smell (2005), Maratona do Amor (2007), e o bem recebido Confiar (2010). Ele ainda dirigiu 10 episódios de Friends e alguns episódios de outras séries americanas como The Tracy Morgan Show, Joey e Little Britain USA.

Ross Geller é paleontólogo, professor universitário e curador de um museu em Nova York. Mimado pelos pais e de temperamento quase bipolar, casou-se e divorciou-se três vezes, gerando dois filhos: Ben (com a primeira esposa, Carol, da qual se divorcia porque ela se declara lésbica), e Emma (com Rachel, sua terceira esposa e grande amor de sua vida). Irmão de Monica e amigo de Chandler desde a faculdade, Ross é o típico nerd que tenta não ser tão nerd assim. Ele prefere ficar em casa assistindo aos documentários da Discovery Channel, ir a uma peça de teatro ou ver um filme de arte a ter que ficar batendo papo no Central Perk com os amigos, mas é praticamente isso que ele faz a série inteira. Ross é um tanto reservado, tímido para falar de si mesmo, muito pé no chão e racional até demais. É um homem muito ciumento e dá muito valor aos seus amigos e à sua família. Também é muito convencido de sua inteligência (lembra um pouquinho o Sheldon Cooper de The Big Bang Theory). David Schwimmer não é um ator espetacular, mas tem uma boa veia cômica, e assim como Le Blanc, uma boa interpretação em comédia física, o que faz com que sua personagem esteja envolvida em ações que o façam brincar um pouco com essa face da comédia, e o resultado é maravilhoso.

David Schwimmer (Ross Geller)

Procurei destacar um pouco da carreira dos três personagens masculinos da série Friends, suas características e posição na série. É claro que muita coisa ficou de fora, até porque, é impossível trazer informações completas e detalhadas de uma série que durou 10 anos, nem se tivesse uma postagem separada para cada um deles. Mas creio que temos acima uma visão geral e uma lembrança satisfatória desses atores e suas personagens que tanto nos fizeram e fazem rir.

Ross, vestido de "Tatu de Natal" e Chandler, vestido de Papai Noel.

No mesmo episódio, Joey aparece vestido de Superman.

Joey na cama com o seu Hugsy.

Ross, em um hilário episódio em que ele "está bem".

SESSÃO DE ABRAÇOS: JOEY E CHANDLER

Papai Noel Conquista os Marcianos / Santa Claus Conquers the Martians (1964)

2011-12-25T23:46:00.004-02:00

por Luiz Santiago

Em plena Guerra Fria, Papai Noel é sequestrado por uma nave espacial marciana a fim de ir à Marte entregar presentes às crianças – viciadas na TV Terra, principalmente no Canal Kid, aonde assistem com profunda tristeza, a infância alegre que existe no planeta vizinho. Papai Noel Conquista os Marcianos é um clássico dos Filmes B estadunidenses, mas passa longe de ser um dos melhores – nesta categoria temos o incrível Palhaços Assassinos do Espaço Sideral.

Quando falamos de filmes B, a análise da obra deve ser direcionada às características desse gênero. Não se pode pedir perfeição em uma obra destinada a ser imperfeita. Pois bem, mesmo dentro desse patamar, o filme de Nicholas Webster é muito ruim, mas nem por isso perde o encanto inexplicável que esse tipo de produção tem sobre nós. É impossível querer largar o filme no meio, por pior que ele seja; do mesmo modo que é impossível não se divertir e rir com as trapalhadas de Voldar, o vilão marciano; e de Droppo, o futuro Papai Noel.

Em um plano de análise mais crítico, o viés anticomunista do filme parece ser entregue de bandeja para o espectador: Marte é um planeta onde as pessoas tem o pensamento controlado por uma estrutura invisível (mas estatal); não é um planeta consumista; a tecnologia kitsch e a falta de liberdade de expressão estão evidentes, e muito de repente, o líder Kimar começa a ficar preocupado com a sua situação interna do planeta. As crianças estão tristes porque não recebem presentes, não brincam durante a infância, são treinadas a estudar desde cedo, etc. A chegada do Papai Noel à Marte simboliza o início do consumismo no planeta vermelho, a produção em massa de brinquedos, a alegria das crianças e despreocupação dos pais. Tudo isso contextualizado em um filme realizado em estúdio (o orçamento da película foi de duzentos mil dólares), com péssimos atores e uma música engraçadinha (Hooray for Santa Claus).

Tim Burton, como se sabe, é um fã de tudo o que é filme B, Trash e Cult que se possa imaginar. E foi justamente esse filme que inspirou o diretor a fazer O Estranho Mundo de Jack (1993). Mesmo sendo uma das mais risíveis e piores películas já realizadas em solo americano, Papai Noel Conquista os Marcianos é um clássico B digno de ser visto, divulgado e discutido. Seu conteúdo anticomunista e as mensagens subliminares podem gerar muitas discussões em grupos cinéfilos, e o filme garante momentos de muita risada, com toda a tosqueira artística com que é realizado. Impossível ficar indiferente.

PAPAI NOEL CONQUISTA OS MARCIANOS (Santa Claus Conquers the Martians, EUA, 1964).

Direção: Nicholas Webster

Roteiro: Glenville Mareth e Paul L. Jacobson

Elenco: John Call, Leonard Hicks, Vincent Beck, Bill McCutcheon, Victor Stiles, Donna Conforti, Chris Month, Pia Zadora, Leila Martin, Charles Renn, James Cahill, Doris Rich.

Duração: 1h21min.

FILME INSATISFATÓRIO.

PARA FAZER O DOWNLOAD DO FILME CLIQUE AQUI.

O Natal do Charlie Brown (1965)

2011-12-25T17:55:00.004-02:00

por Luiz Santiago

O Natal do Charlie Brown foi o primeiro Especial televisivo baseado no universo dos quadrinhos Peanuts, criado por Charles M. Schulz. Exibido nos Estados Unidos em 9 de dezembro de 1965, o Especial de 25 minutos fez tanto sucesso, que, segundo a revista Valor Econômico, praticamente arruinou o mercado de árvores de Natal de papel alumínio, predominantes entre 1958 e 1965 – e ironizadas no desenho.

Nesse episódio, Charlie Brown se declara depressivo em relação ao Natal, e ressalta a questão comercial que pontua a data. O conteúdo crítico abordado no desenho é impressionante, e nos sinaliza que o viés plenamente lucrativo do Natal não é algo recente. Com uma trilha sonora envolvente e não deixando de lado o significado religioso que se convencionou para a data, O Natal do Charlie Brown é um dos marcos clássicos da televisão estadunidense, e com certeza um dos melhores episódios de toda a série – embora eu deva dizer que a série não possui um único especial ruim.

O NATAL DO CHARLIE BROWN (A Charlie Brown Christmas, EUA, 1965).

Direção: Bill Melendez

Roteiro: Charles M. Schulz

Elenco (vozes): Peter Robbins, Christopher Shea, Kathy Steinberg, Tracy Stratford, Geoffrey Ornstein, Karen Mendelson, Bill Melendez, Sally Dryer, Chris Doran, Ann Altieri

Duração: 25min.

PARA FAZER O DOWNLOAD DO DESENHO CLIQUE AQUI.

AVALIAÇÃO DO EPISÓDIO: MUITO BOM.

O Pequeno Italiano / Italianetz (2005)

2011-12-24T00:36:00.006-02:00

por Luís Adriano Lima

Antes de se começar a falar sobre o filme em si, primeiro preciso agradecer ao Luiz Santiago, que me convidou para escrever a respeito do tema na série de posts intitulada “Especial Cinema Russo: 20 anos sem Socialismo” – vindo dele o convite, é quase impossível não querer fazer, portanto, aceitei a proposta e aqui estou: a falar sobre um período interessante do cinema. Que o cinema soviético – mais especificamente o russo – foi um grande exponencial da arte cinematográfica, ninguém duvida: o seu trajeto ao longo da história da estética fílmica é mesmo interessante e comporta filmes notáveis, desde “O Encouraçado Potemkin” (1925), de Einsestein, até “Nostalgia” (1983), de Andrei Tarkosvky.

Curiosamente, o período que citei acima começa na década de 1920 e termina na de 1980, período no qual o socialismo foi a organização econômica predominante. “O Pequeno Italiano”, de 2005, localiza-se historicamente depois, quando a Rússia já se encontrava há 14 anos incluída no universo capitalista. E, a meu ver, é inegável que Andrei Kravchuk buscou relacionar o seu filme a épocas passadas, estabelecendo um diálogo forte com outro período histórico-político – aquele anterior a 1991, quando a Rússia era marcada pela bandeira vermelha em apoio aos trabalhadores. “O Pequeno Italiano” fala sobre um jovem órfão de seis anos, Vanya Solnstsev, que é escolhido por uma família italiana para ser adotado. A adoção – ter uma família – é o sonho de todas as crianças do orfanato, mesmo dos mais velhos, e aquela notícia deveria causar êxtase no garoto. Isso só não acontece porque, pouco antes da adoção ser efetivada, Vanya vê a mãe biológica de um amigo seu, que já havia sido adotado, ir procurá-lo a fim de reavê-lo, o que já não pode acontecer.

Não demora para que o primeiro momento de ruptura se verifique no filme. O simples fato de que o garoto anseia por uma família e, ao mesmo tempo, teme que sua mãe, caso resolva um dia procurá-lo, jamais possa lhe reaver é desastroso demais para que ele se adeque àquilo que querem dele. Os italianos, embora pareçam gentis, não podem garantir ao pequeno aquilo que ele quer: o carinho de sua verdadeira mãe. Já aqui vemos o primeiro grande símbolo para a elevação do socialismo – a verdade está na mãe do garoto, uma russa (e, por conseguinte, carregada das características soviéticas), não no conforto vindo de outro lugar, de um lugar estrangeiro. A jornada do garoto logo começa e ele precisa aprender que deve alcançar tudo, inclusive o que está mais perto dele; desse modo, aprende a ler para poder ler os arquivos nos quais revelam a sua origem. Logo descobre e parte rumo a algo novo – não sem a represália severa dos coordenadores do orfanato, que são responsáveis pela manutenção do contingente e pela transação lucrativa com a adoção das crianças. Mais uma vez: o capitalismo em choque com o socialismo, representado pela figura do menino.

Sua busca não é fácil. Sair da área de conforto – isto é, aventurar-se numa área totalmente desconhecida – para adentrar um mundo novo é perigoso e assim, tanto o personagem quanto o espectador, se desdobram para desviar das jurisdições da busca selvagem pelo capital: de um lado, Vanya e sua veleidade desenfreada de encontrar a mãe; do outro, aqueles que querem capturá-lo a fim de não perdê-lo (que aqui significa perder uma quantia satisfatória de euros). Curioso notar a semiótica do filme e analisar todos os signos ali presentes – na atualidade capitalista do momento (o filme de passa em 2002), o vermelho socialista se mostra em todos os momentos, principalmente como alvo de agressões. A busca do garoto se torna mais segura, ou seja, com menor possibilidade de que fosse facilmente encontrado, quando ele veste, para se disfarçar, uma jaqueta vermelha, a qual mais tarde será roubada por garotos à procura de dinheiro (mais uma vez: o capital versus o social). Vale que nos foquemos também noutro fator curioso: as mulheres que ajudam o garoto são ruivas. Como se vê, uma grande metáfora da situação mostrada.

O filme é esperançoso, inegavelmente traz consigo uma leveza que, embora paradoxal à toda situação ali, cabe perfeitamente à trama do garoto que sai à procura dos seus pais. Todo o enredo encobre alegoricamente uma discussão de caráter nacionalista acerca da problemática pós-guerra, quando o mundo se bipolarizou entre Estados Unidos (capitalismo) e União Soviética (socialismo), além de criticar ferozmente um sistema que perturbou a Rússia ao ser implantado, causando, por exemplo, uma crise econômica bruta entre os anos de 1990 e 1995, resultante de quedas no PIB e privatizações desenfreadas. Ainda no universo do filme, podemos perceber características notáveis que o distanciam de filmes também russos, porém de anos anteriores. Se compararmos “O Pequeno Italiano” com filmes anteriores, por exemplo, perceberemos um caráter mais onírico em títulos como “A Infância de Ivan” (1962) e “O Espelho” (1975) do que nessa obra de 2005. Ela consta com uma perspectiva mais realista e objetiva, com foco na concretude, sem muitas fugas à abstração do sonho como forma de estética fílmica. Aqui a história se condensa na dureza da realidade e na leveza das vontades do garoto – são esses os opostos: o querer e o poder, e não exatamente o plano da realidade e o plano da subjetivação inconsciente.

Em pouco mais de uma hora e meia, conhecemos a trajetória aparentemente ininterrupta de Vanya e de todos os elementos fundamentais ao enredo que visam destituí-lo de sua ambição. Uma mãe – aqui representando o autoconhecimento, a busca pelas origens – é o objetivo do garoto e, mesmo no final, quando percebemos outra grande alegoria – a da impunidade à fuga do menino –, não a vemos, provando que o autoconhecimento, qual a mãe, é uma abstração que compete à cada pessoa e que se dá de modos diferentes. Essa obra de Andrei Kravchuk é bastante singela, muito concisa e eficiente na sua mensagem, além de trabalhar bem as questões metafóricas e o trabalho técnico dos atores, em especial o de Kolya Spiridinov, cujo aspecto miúdo se mostra inversamente proporcional à sua capacidade de interpretação. Vemos, nessa produção, uma visão nostálgica de uma época de outrora, já finda, momento no qual o socialismo predominava e, sob o olhar de muitos, resguardava a nação dos males do capital.

Esse texto faz parte do Especial cinema russo: 20 anos sem socialismo.
Luís Adriano Lima é editor do Literatura e Cinema e convidado especial do Cinebulição para o Especial Cinema Russo.

O PEQUENO ITALIANO (Italianetz, Rússia, 2005).

Direção: Andrey Kravchuk

Roteiro: Andrei Romanov

Elenco: Kolya Spiridinov, Maria Kuznetsova, Nicolai Reutov, Jurij Ickov, Denis Moiseenko, Sasha Sirotkin, Andrei Yelizarov, Vladimir Shipov, Polina Vorobieva, Olga Shuvalova.

Duração: 1h30min.

Encontros Macabros / Grave Encounters (2011)

2011-12-23T00:57:00.006-02:00

por Luiz Santiago

Pede-se encarecidamente que a comunidade cinematográfica revise os valores dos gêneros e subgêneros, proibindo determinado tipo de película, e principalmente, vetando sua distribuição, exibição e venda. Nessa categoria, poderiam figurar assassínios do subgênero found footage como Apollo 18 e Encontros Macabros, embora este último, não importando o que isso queira dizer, seja muito melhor que o primeiro.

Filmes de terror de baixo orçamento, gravados com câmera na mão e com o teor de falso documentário (não confundir esse subgênero found footage com outro subgênero bem parecido, o mockumentário) parecem ter encontrado a simpatia de um seleto grupo de espectadores, e ao que tudo indica, recebem receitas significantes nas bilheterias. Mas apesar da aparente vida sadia, o found footage está esgotado, e o que vemos em filmes como Encontros Macabros não é nada diferente daquilo que temos em Atividade Paranormal, por exemplo. O mais do mesmo enjoa, e pouco se salva das produções atuais que optam por trabalhar essas características no cinema.

Em Encontros Macabros, a premissa é minimamente interessante, mas a execução é cansativa, niilista e decepcionante. Na abertura, um produtor de TV nos explica que Grave Encounters é, na verdade, um reality show caça fantasmas, e que tudo ia bem na exibição do programa até que a equipe resolveu investigar as atividades paranormais de um hospital psiquiátrico abandonado. Daí para frente, o leitor certamente pode traçar o que acontece no decorrer do filme.

A pior coisa em Encontros Macabros não é o seu formato ou a linha manjada de execução, isso é algo óbvio e esperado. Mas os diretores e roteiristas, que assinam como The Vicious Brothers, não se importaram em explicar a questão da magia negra que é indicada na sequência final. O filme poderia ser apenas ruim, mas se torna intragável porque dentro tanta coisa descartável temos ainda uma colocação macabra que não faz sentido algum para o conjunto do filme! Afinal de contas, os espíritos agressivos agiam assim porque foram torturados por um certo Doutor do hospital ou porque são objetos de magia negra? Afinal de contas, o filme trabalha apenas com espíritos mortos em busca de ajuda e vingança ou existe uma realidade paralela acontecendo, e influenciando o mundo real? Nenhuma dessas perguntas tem resposta no filme.

Em certo ponto, o espectador até pode ser entretido. Uma coisa ou outra pode ser interessante, mas ao final da película, não nos sobra muito ânimo para louvar o produto de 1h30min que que assistimos. É penoso demais constatar que mais uma vez perdemos tempo com algo tão sem noção e razão de ser. O found footage já nos deu obras consideráveis como REC. ou A Bruxa de Blair, mas parece que não se contenta com a própria morte, e alguns realizadores vivem tentando tirar fôlego de coisas que nem sinal de vida possuem mais. Isso sim é algo macabro.

NOTA IMPORTANTE: Eu sou contra qualquer tipo de censura ou veto de um produto artístico. Quando me refiro a isso no parágrafo inicial, a colocação tem apenas a função de ressaltar a má qualidade do produto. Apenas isso. É sempre bom deixar claro...

ENCONTROS MACABROS (Grave Encounters, Canadá, 2011).

Direção: The Vicious Brothers
Roteiro: The Vicious Brothers

Elenco: Sean Rogerson, Juan Riedinger, Ashleigh Gryzko, Mackenzie Gray, Arthur Corber, Michele Cummins, Luis Javier, Shwan Macdonald, Merwin Mondesir, Bob Rathie, Ben Wilkinson.
Duração: 1h32min.

FILME INSATISFATÓRIO. APENAS PARA FÃS INCONDICIONAIS DO GÊNERO.

Alexandra / Aleksandra (2007)

2011-12-21T14:40:00.002-02:00

por Marcel Moreno

Alexandra é uma mulher atenciosa, curiosa, destemida, com personalidade forte. Um ser totalmente diferente daqueles que habitam no acampamento de guerra. Mesmo que eles permaneçam temporariamente, são momentos intermináveis para eles, que sem saber do seu destino, também não sabem por quanto tempo a sorte os manterão vivos. Os sons constantes de helicópteros nos remete a todo momento a eminência da guerra. Os sons são tão expressivos, que se nos deixarmos levar, eles nos colocará cara-a-cara com a face da guerra. Alexandra, naquele ambiente totalmente masculinizado, é um símbolo de esperança. Ela representa a atenção que é dada ao homem enquanto homem, com sentimento, com angústias, com esperanças. Todos querem ajudá-la, todos querem um sorriso, todos querem ser correspondidos quando depositam no universo um pouco de seus sentimentos, que por conta da guerra, estavam ali guardados em seu peito, protegidos por um uniforme verde, que é um escudo de proteção ao inimigo, e que se transforma em um escudo contra o sentimento humano, ao mesmo tempo que veste o homem com uma máscara, a máscara da guerra, como se com ele toda a sensibilidade para a menor manifestação possível de afeto ou compaixão desaparecesse, sugado pelas armas e o desejo de destruir.

Alexandra começa o filme entrando com dificuldade em um trem e depois em um tanque de guerra. A cena dela entrando no trem e vendo aquelas crianças trajadas de soldados, são quase representações de anjos, é a vista de homens que perderam sua inocência e são entregues aos interesses do próprio homem. Esta cena dá quase um tom de semi-morte para ela, que está saindo do seu mundo. Quando sai com dificuldade do trem e entra no tanque, para finalmente chegar no acampamento do neto, ela tem seu nascimento. Este nascimento que se dá em um local totalmente fora do seu mundo habitual. Ela foi conduzida a uma esfera de vida totalmente voltada para o desconhecido. Um mundo de homens, talvez sem respeito, sem garantias básicas de vida. Curiosa, ela conhece algumas partes do acampamento, e quando se depara com jovens limpando armas, percebe que isso é o que a guerra faz com os nossos jovens, entregues a nada. Neste momento, ela é a representação de todas as mães e avós que zelam pelo futuro de seus filhos e netos, desejando-lhes um futuro promissor, de bondade, caráter e dignidade.

O ambiente é sujo, quente, não há luxo, não há conforto, não há sentimento de fraternidade e compaixão. Este é o ambiente que Alexandra fica por alguns dias para poder visitar o neto. As cores são de um tom pastel, verde e qualquer outra que dá um tom de areia. Com tons de cores parecidas, tudo se mistura como em um quadro. Se por algum momento conseguir penetrar no filme, acreditará que tudo foi feito do mesmo material, uma mesma vida, um mesmo destino. Estão todos camuflados, como se o término de um fosse o inicio do outro. Não há mudança, é uma corrente de um mesmo pensamento, de uma mesma ideologia. Um sentido da vida com uma verdade oculta, uma história escondida, uma realidade inexistente para o comum. Assim é a guerra. Um mistério sem fim, algo que chega a ser incompreensível para os seres pensantes, algo que não condiz com o sentido da vida humana, de construir e não destruir. A guerra é como se renegássemos a nossa própria existência, a nossa própria identidade. Somos todos humanos, sem diferenciações, mas nos reconhecemos como nação e esquecemos que viemos do mesmo material, o qual deu origem ao primeiro homem. Guerreamos sem sentido, destruímos o que poderia ser construído. A guerra destrói o que há de mais precioso no homem: a vida. A cena do banco camuflado, denuncia um possibilidade das expressões humanas dentro de um ambiente totalmente contrário a ela. Um banco poderia ser uma praça, um lugar de encontro, um local para namorados, um belo lugar para ver o crepúsculo solar, mas aqui camuflado, significa uma expressão humana mascarada pelo sentimento de terror, morte, assassinato do próprio ser.

Os soldados tem sempre aparências tristes, ininteligíveis, estáticas, como se o destino já as estivesse escrito, como se não dependesse deles e somente da guerra. Cansados e sem perspectivas, vagam como zumbis pelo acampamento, sem esperança, esperando somente o exato momento de fazerem a passagem. Mas todos desejavam atenção. Todos queriam ser reconhecidos. todos queriam tirar aquela máscara da guerra e mostrar seu lado humano.

Quando Alexandra conhece uma mulher do vilarejo próximo do acampamento, somos levados a uma outra esfera, o universo feminino. Com a predominância de mulheres, somos transportados a um ambiente que podemos notas os sentimentos de amizade, amor, sem interesse, compaixão. Aqui vemos um mundo diferente do que vimos no acampamento dos soldados, aqui é o ambiente humano. A guerra apesar de presente, não se sobrepõe ao homem e seus valores. Aqui quem manda é o coração e a guerra é algo que mesmo muito próxima, fica distante dos sentimentos femininos. Por elas, a guerra não existiria por ser tão desnecessária e inexplicável.

Alexandra é um símbolo de esperança do começo ao fim. Até ela mesma necessita disto porque é algo que o homem não consegue se desvincular. Precisamos de esperança para continuarmos nosso caminho. Todos querem mostrar seu lado humano que é sobreposto pela guerra. A esperança é que nos faz ter fé de que pode ser diferente, de que podemos mudar. O filme levanta a questão do orgulho militar. Que orgulho é este que ninguém entende, que não têm sentido e que ninguém consegue explicar? Qual é o orgulho que temos de destruirmos nossa própria identidade, irmãos de sangue, homens tão homens quanto nós? A guerra limita o homem, o impede de pensar, o tira do seu mundo colocando-o dentro de uma máscara que só serve aos interesses alheios, e tira do homem um dos seus bens mais preciosos: a fé e a esperança.

Esse texto faz parte do Especial cinema russo: 20 anos sem socialismo.
Marcel Moreno é editor do Cinema de Gaveta e convidado especial do Cinebulição para o Especial Cinema Russo.

ALEXANDRA (Aleksandra, Rússia, França, 2007).

Direção: Aleksandr Sokúrov
Roteiro: Alesandr Sokúrov

Elenco: Galina Vishnevvskaya, Vasiliy Shevtsov, Raisa Gichaeva, Andrei Bogdanov, Aleksandr Kladko, Aleksei Neymyshev, Rustam Shakhgireev, Evgeni Tkachuk.
Duração: 1h35min.

FILME MUITO BOM. FORTEMENTE RECOMENDADO.

Sete Vidas (2007)

2011-12-20T18:51:00.000-02:00

por Luiz Santiago

Bom, vamos explicar a coisa assim: eu morri. E morri convicto de que esse negócio de reencarnação era uma grande bobagem. Hoje, devo ceder aos fatos. Aqui estou. De novo. Agora assim: todo peludo, e articulando as variantes possíveis da palavra... miau. Pois é, aprendam mais esta: escritores reencarnam como gatos.

Zé Mucinho

Mortos que contam histórias de sua vida é algo comum, tanto na literatura quanto no cinema. No Brasil, temos o exemplo clássico do Brás Cubas, de Machado de Assis, fenômeno literário também adaptado para o cinema. Mas no caso de Sete Vidas, curta-metragem brasileiro de 19 minutos, o morto não é um ser humano, mas um gato, a reencarnação de um escritor. A história que vemos é o cotidiano do gato e as sete pessoas que ele adicionou à sua agenda diária para poder “relacionar-se”.

Com narração do impagável Selton Mello, o filme é de uma criatividade espantosa, a começar do roteiro de Zé Mucinho. Trazendo gírias do cotidiano e finas ironias, a narração torna o gato uma personagem ainda mais sedutora, em contraposição com os estranhos seres humanos à sua volta. As atuações de destaque são de Marcelo Mansfield, no papel de um padre que o gato visita apenas para ouvir música – nesse caso, um rap que diz “Graças a Deus que eu sou ateu” –, e Etty Fraser, no papel da velhinha que acha que o gato é uma fêmea e o chama de Úrsula, arranjo para ele, inclusive, um gato chamado Raul, a fim de acasalarem.

Entre a confissão e a criatividade do monólogo felino, somos inseridos no mundo por uma perspectiva diferente. Nesse ponto, a fotografia não ajuda muito, porque não altera a visão dos ambientes para nos indicar a objetiva felina; e também a altura dos ângulos, que começam sempre no tatame, “na altura do gato”, e depois adota uma planificação normal.

Sem nenhuma ligação com o Sete Vidas (no original, Seven Pounds) de Gabriele Muccino, estrelado por Will Smith, o curta-metragem brasileiro impõe-se pela criatividade do enredo, a maravilhosa narração, e o ótimo roteiro. Um filme para agradar qualquer escritor, felino e donos de gatos.

Para assistir ao filme na íntegra clique AQUI.

SETE VIDAS (Brasil, 2007)

Direção: Marcelo Spomberg e Zé Mucinho

Roteiro: Zé Mucinho

Elenco: Selton Mello, Etty Fraser, Ariel Moshe, Christiane Tricerri, Luisa Mell, Mairun Seva, Marcelo Mansfield, O Gato Tutti, Prof. Jairo.

Duração: 19min.

FILME MUITO BOM. FORTEMENTE RECOMENDADO.